50 álbumes realmente horribles de artistas brillantes.

Por Andy Green

"No hay gran genio sin un toque de locura." El filósofo griego Aristóteles hizo esta observación hace aproximadamente 2.300 años, mucho antes de que genios legítimos como Bob Dylan, John Lennon, Carole King, Elton John, Madonna y Prince le dieran la razón. Entre las muchas obras maestras célebres que estos artistas han dado al mundo, también han presentado obras tan monumentalmente pútridas que nada menos que “un toque de locura” puede explicar su existencia.

Algunos de estos álbumes fueron producto de demasiada cocaína. (Elton, te estamos mirando). Algunos de ellos surgieron de la presión del sello para ir más allá de un culto y crear música comercial. (Hola, Liz Phair.) Algunos de ellos fueron creados antes de que una banda encontrara su verdadero sonido (Pantera, haz una reverencia), mientras que otros llegaron mucho después de que los miembros clave se separaron y la banda no tenía ninguna razón terrenal para seguir existiendo. (Tos-Génesis-tos).

Un enorme porcentaje de ellos fueron tristes víctimas de las horribles decisiones de producción de los años ochenta, sobre todo el sombrío período de 1985 a 1988, cuando los sintetizadores de bola de queso y los tambores de escopeta crearon un sonido que ha envejecido peor que un sándwich de atún y sardina abandonado en el horno. sol.

No hace falta decir que los fanáticos del rock son notoriamente contrarios y el álbum basura de una persona es el clásico pasado por alto por otra. Estamos seguros de que hay gente a la que le encantan Leather Jackets de Elton John, Squeeze de Velvet Underground y Speeding Time de Carole King. Algunos de ustedes sentirán que elegimos la banda sonora de la película de Elvis equivocada, o que estábamos locos al dejar de lado Let Me Up (I've Had Enough) de Tom Petty o Muse Sick-n-Hour Mess Age de Public Enemy. (Resulta que disfrutamos ambos discos). Tampoco hay ningún disco de U2 porque nos gustan todos, incluso Songs of Experience y October. Para algunos, esas son palabras conflictivas y estamos seguros de que muchos lectores tendrán problemas con esta lista. La verdadera mierda, como la verdadera grandeza, es una cualidad subjetiva.

¿Los clasificamos? Seguro que lo hicimos. Comenzando con el menos peor y contando hasta el fracaso más histórico.

A principios de los años ochenta, Pete Townshend hacía malabarismos con una carrera en solitario, el difícil período posterior a Keith Moon de The Who y una adicción a la heroína bastante desagradable. De alguna manera encontró tiempo para grabar dos álbumes solistas estelares (Empty Glass de 1980 y All The Best Cowboys Have Chinese Eyes de 1982), y el subestimado LP de 1981 de Who, Face Dances. Pero cuando llegó el momento de entrar al estudio y grabar It's Hard en 1982, su reserva de canciones se había reducido prácticamente a nada. (Cabe señalar que durante todo este tiempo, guardó lo mejor para sus álbumes en solitario). El primer tema “Athena” fue un auténtico éxito de radio, y “Eminence Front” es una obra maestra que ha estado en el repertorio en vivo de The Who durante los últimos años. últimos 40 años. El resto de It's Hard, sin embargo, es el punto más bajo de la carrera de Who. “One Life's Enough”, “I've Known No War”, “Why Did I Fall for That” y “Cooks County” son claramente el resultado del agotamiento, las drogas muy duras y una obligación contractual con Warner Bros. Records. El propio Townshend probablemente apenas recuerda haber hecho este disco, y la mayoría de los fans de Who han trabajado duro para olvidar que existe.

Billy Joel tuvo casi una década sólida de éxitos y éxitos después de finalmente abrirse camino con The Stranger en 1977, pero cuando llegó el momento de cortar The Bridge de 1986, se quedó sin trabajo. “No estaba tan concentrado en escribir y grabar de nuevo”, le dijo a Rolling Stone en 2013. “Simplemente era padre primerizo, acababa de tener una niña y solo quería estar en casa con mi familia. en ese momento, pero ya era hora de volver al estudio”. Trabajando con el productor Phil Ramone desde hace mucho tiempo, logró un par de canciones genuinamente geniales como “A Matter of Trust” y su dueto con Ray Charles “Baby Grand”, pero el resto del álbum es en gran medida relleno sin vida como “Code of Silence” y "Acercarse." "No estaba tan entusiasmado con volver al estudio, y la banda con la que había trabajado durante tanto tiempo se había visto de alguna manera privada de todo el proceso", dijo. “Realmente ya no eran parte del proceso creativo. Se estaba convirtiendo en una especie de negocio”.

Cuando el cantante original de Van Halen, David Lee Roth, dejó la banda en 1985, simplemente trajeron a Sammy Hagar y continuaron llenando estadios, logrando éxitos y vendiendo álbumes por millones. Después de todo, este es un grupo que lleva el nombre del guitarrista y baterista. ¿Por qué debería importar quién canta? En 1998, aprendieron por las malas que el cantante importaba bastante cuando contrataron a Gary Cherone de Extreme para reemplazar a Hagar y eliminaron a Van Halen III. Este fue el comienzo de la era del pop adolescente y las bandas de rock de los años setenta y ochenta ya eran agresivamente poco cool. Aún así, en teoría, otra canción como “Right Now” aún podría haber aterrizado en las listas. Pero no tenían otro "ahora mismo". Tenían canciones como “Dirty Water Dog”, “Fire in the Hole” y “How Many Say I” que dejaron fríos incluso a los fanáticos más acérrimos de Van Halen. "Cherone tiene una velocidad como cantante en III -esfuerzo doloroso- y el bajista Michael Anthony y el baterista Alex Van Halen suenan como si estuvieran torpes en cualquier tempo", escribió Greg Kot de Rolling Stone. “Cuando la banda toca heavy, se atasca en un pozo de alquitrán de los setenta, y sólo el coro de 'Without You' logra algún tipo de resonancia pop”. Cherone dejó la banda poco después de que terminara la gira Van Halen III. La siguiente vez que estuvieron de gira, Agar volvió a estar al frente. Era como si Van Halen III nunca hubiera sucedido.

El éxito casual de 1987 de Grateful Dead, “Touch of Grey”, presentó su música a toda una nueva generación de fans y trasladó a la banda de los estadios a los estadios de fútbol. Debería haber sido un gran momento para la banda, pero Jerry García estaba sumido en la agonía de la adicción a las drogas y lidiando con las secuelas de un coma diabético de cinco días en 1986 que casi acaba con su vida. Con Arista sediento de otro “Touch of Grey”, el grupo comenzó a trabajar en otro álbum a principios de 1989, Built To Last. La portada los muestra construyendo un elaborado castillo de naipes al borde del colapso, lo cual es una bonita metáfora de la banda en este momento. Las nuevas composiciones de García/Robert Hunter como “Foolish Heart” y “Standing on the Moon” casi no dejan impacto en el oyente, y las cuatro canciones que cuentan con el teclista Brent Mydland como voz principal no obtienen mejores resultados. Este es el sonido de una banda desgastada por las eternas giras y muy dependiente de sustancias. Mydland murió de una sobredosis de drogas menos de un año después del estreno de Construido para durar. Fue su último disco y hoy se destaca en gran medida por la trágica ironía de su título.

La banda sonora de la película de Outkast sobre la era de la Depresión, Idlewild, generó críticas bastante fuertes cuando se estrenó en 2006, pero eso probablemente se debe a que los críticos ni siquiera podían concebir un álbum mediocre del dúo de Atlanta después de su increíble racha desde Southernplayalisticadillacmuzik de 1994 hasta Speakerboxxx/The de 2003. Amor abajo. Es una de las carreras más impresionantes en la historia del hip-hop. Pero Idlewild es una bestia muy diferente, y no solo porque incorpora swing, blues, jazz y soul para mantener la época de la película. Cuanto más tiempo pasa, más claro queda que Idlewild es el producto de un dúo creativamente agotado que estaba cansado de trabajar juntos y desesperado por tomar caminos separados. Invitados como Snoop Dogg, Macy Gray, Lil Wayne y Janelle Monáe intentan aligerar las cosas, pero no hay una sola canción aquí en el mismo universo que “Miss Jackson”, “Rosa Parks” o “BOB”. Te obligaste a que te gustara Idlewild en 2006, ¿cuándo fue la última vez que te lo pusiste? Se honesto.

Willie Nelson es un ícono del country, pero a lo largo de décadas ha experimentado con estándares de blues, jazz, folk y pop con diversos grados de éxito. Pero nada preparó a sus fans para Countryman de 2005, en el que decidió abordar el reggae. Para ser justos, hace un trabajo decente con las canciones de Jimmy Cliff "The Harder They Come" y "Sitting in Limbo". Pero el concepto se desmorona por completo en reversiones de reggae de originales de Willie como “Darkness on the Face of the Earth” y “How Long Is Forever”, que caen en un horrible término medio entre el country y el reggae donde ningún artista se había atrevido a aventurarse. Toots Hibbert aparece para unirse a él en una versión de "I'm a Worried Man" de Johnny Cash, pero ni siquiera él puede salvar este proyecto. "La voz de Nelson suena como si estuviera en un mundo diferente al de estas pistas instrumentales ingeniosas y demasiado modificadas", escribió Barry Walters de Rolling Stone en una reseña de dos estrellas. "No contengas la respiración por Willie in Dub".

Es tentador decir que REM perdió su enfoque después de que Bill Berry dejó la banda en 1996 y nunca hicieron otro gran álbum, pero simplemente no es cierto. Puede que hayan dejado de ser una fuerza comercial, pero discos como Accelerate, Reveal, Collapse Into Now e incluso Up son álbumes estelares incluso si no logran alcanzar los niveles absurdos de sus trabajos anteriores. La única vez que el grupo realmente tropezó fue en Around the Sun de 2004. “The Outsiders”, con Q-Tip de A Tribe Called Quest, pretende replicar su colaboración con KRS-One de Out of Time de 1991, pero se siente forzado. “Final Straw” es una protesta noble, aunque aburrida, contra la guerra de Irak. El resto del álbum simplemente resulta flojo. Y si no nos crees, escucha a la banda. "[Simplemente] no era realmente escuchable", dijo Peter Buck en 2008, "porque suena como lo que es: un grupo de personas que están tan aburridas con el material que no pueden soportarlo más".

Cuando Metallica estaba en su punto más bajo como banda gracias al alcoholismo crónico de James Hetfield, la deserción del bajista Jason Newsted y la incertidumbre sobre dónde se encontraban en un universo musical post-Napster, contrataron a un equipo de cámara para registrar la realización de su LP St. Anger. Esto llevó al documental estelar Some Kind of Monster y a un álbum profundamente decepcionante. Los fanáticos, con razón, se obsesionan con la decisión de microfonear el tambor de Lars Ulrich para que suene como si estuviera golpeando una lata durante todo el álbum, pero hay problemas más profundos con St. Anger. Las canciones están desenfocadas y aparentemente inacabadas, y las letras recién salidas de rehabilitación (“Quiero que mi ira sea saludable”) podrían haber necesitado más reflexión. La banda se pone muy a la defensiva cada vez que los fans o los periodistas plantean estos temas, pero sus listas de canciones cuentan una historia diferente. Han tocado menos canciones de St. Anger en concierto que cualquiera de sus otros álbumes.

The Clash surgieron como estrellas del pop poco probables en 1982 gracias a MTV y sus exitosos sencillos "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Pero se separaron del baterista Topper Headon poco después de que salieran esas canciones debido a sus problemas de adicción, y despidieron al guitarrista Mick Jones aproximadamente un año después debido a conflictos de personalidad. Los miembros restantes, Joe Strummer y Paul Simonon, decidieron que esto les presentaba una buena oportunidad: reiniciar la banda grabando un álbum que los devolviera a sus raíces punk, aunque el manager Bernie Rhodes insistió en que agregaran sintetizadores y cajas de ritmos para sonar modernos. Esto resultó en Cut the Crap, sumamente comprometido, que no logró complacer a los fanáticos de la New Wave o del punk. Lo llamaron Cut the Crap como una forma de repudiar su pasado pop reciente, pero canciones como “This Is England” y “Dirty Punk” eran pálidas imitaciones de mejores canciones de la era Jones de la banda. El grupo se separó después de la conclusión de la gira Cut the Crap.

El único álbum de Genesis después de que Phil Collins dejó la banda y fue reemplazado por el recién llegado escocés Ray Wilson no es un desastre total. “The Dividing Line” es una excelente melodía de rock progresivo; “Not About Us” es una hermosa balada; y “Congo”, “Calling All Stations” y “Shipwrecked” tienen sus momentos. Pero luego hay basura vergonzosa como “Small Talk”, “Alien Afternoon” y “Uncertain Weather” que arrastra todo al abismo. Sin Collins ni el líder original Peter Gabriel al mando, esta era una banda sin un líder claro ni un sentido de propósito. “Quizás el álbum podría haber sido mejor”, admitió Wilson a Rolling Stone en 2022. “Podríamos haber tenido algunas canciones más fuertes en el álbum si hubiéramos tenido un poco más de tiempo y trabajado juntos, tal vez. Pero es lo que es." Cuando el disco fracasó, el grupo despidió a Wilson y esperó alrededor de otra década hasta que Collins regresara para una nostálgica gira de reunión. Nunca grabaron otra nota de música nueva.

A The Who a menudo se le atribuye el mérito de haber inventado el disco conceptual, pero The Kinks Are the Village Green Preservation Society llegó a las tiendas seis meses antes que Tommy. Los Kinks se volvieron más ambiciosos con Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) en 1969, y su concepto de Preservation de mediados de los setenta era tan grandioso que les llevó dos discos separados a lo largo de dos años. Pero chocaron contra una pared con The Kinks Present a Soap Opera de 1975. El disco comenzó como una obra de televisión sobre una estrella de rock que cambia de lugar con un tipo normal para poder sentir cómo es la vida al otro lado. Está repleto de diálogos hablados que distraen y canciones que avanzan en la historia pero que hacen poco para destacar por sí solas. "Musicalmente, no hay una sola melodía realmente impactante en el álbum, aunque hay muchas melodías tediosas, trilladas y ya hechas", escribió John Mendelsohn de Rolling Stone en una crítica brutal. “Uno bien podría escuchar este álbum como una colección de canciones que Ray [Davies] dejó sin grabar a lo largo de los años porque sabía que podía hacerlo mucho mejor. Seguramente ha tratado cada tema representado aquí de manera infinitamente más conmovedora en otros lugares”.

Los Monkees vieron su popularidad caer en picado en 1968 cuando su película psicodélica, Head, se derrumbó en la taquilla, su comedia de NBC fue cancelada y Peter Tork abandonó la banda. Pero siguieron adelante como trío y grabaron dos álbumes sólidos en 1969, Instant Replay y The Monkees Present, con joyas de country rock escritas por Michael Nesmith como “Listen to the Band” y “Good Clean Fun”. Cuando Nesmith dejó la banda a principios de 1970, los miembros restantes, Davy Jones y Micky Dolenz, probablemente deberían haberlo dejado. Pero todavía le debían un disco a su sello. Cortaron Changes con el productor Jeff Barry y volvieron a sus primeros días, donde simplemente proporcionaban voces y dejaban que otros se encargaran de todo lo demás. Pero temas como “Ticket on a Ferry Ride” y “Acapulco Sun” carecen de la magia de sus primeros éxitos. Todo esto apesta a "obligación contractual", y Jones y Dolenz, afortunadamente, terminaron con el grupo cuando Changes ni siquiera logró mellar la lista de álbumes.

Prince estaba en medio de una guerra con Warner Bros. en 1996, y les dio Caos y Desorden para cumplir con los términos finales de su contrato. La parte posterior del álbum incluye este descargo de responsabilidad: "Originalmente estaba destinada únicamente a uso privado, esta compilación sirve como el último material original grabado por (The Symbol) 4 Warner Brothers Records". El folleto del CD presenta imágenes de un billete de un dólar enrollado en una jeringa y un corazón en un inodoro. Como puedes imaginar, es difícil producir buena música cuando crees que sólo beneficiará a una corporación malvada que quieres destruir. “Caos y Desorden se distingue por su confusión; incluso el título admite que las partes fracturadas del álbum nunca se resuelven en un todo temático”, escribió Ernest Hardy de Rolling Stone en una reseña desdeñosa de dos estrellas. “En el mejor de los casos, el disco suena como una colección de demos pulidos. Sin embargo, lo más frecuente es que parezca obra de un imitador de Prince”.

La decisión de Lindsey Buckingham de dejar Fleetwood Mac después del lanzamiento de Tango in the Night de 1987 fue un duro golpe para la banda, pero pudieron seguir adelante, editar Behind the Mask de 1990 y realizar una gira exitosa detrás de él. Pero las cosas se complicaron un par de años después, cuando Stevie Nicks decidió que ella también quería salir. Probablemente ese fue el momento adecuado para simplemente poner a Fleetwood Mac en pausa, pero Mick Fleetwood decidió seguir adelante al traer a Bekka Bramlett, la hija de 27 años del dúo de principios de los setenta Delaney y Bonnie Bramlett, para asumir el papel de Nicks. Obviamente, se trataba de una empresa irremediablemente condenada al fracaso. El álbum de esta formación es Time de 1995, que incluye algunas canciones sólidas de Christine McVie como "I Do" y "All Over Again". Pero esto es Fleetwood Mac sólo de nombre, y el material no es lo suficientemente fuerte como para justificar su existencia.

Kiss no sabía muy bien qué hacer consigo mismo en los albores de la era MTV. Seguían siendo una banda enormemente popular, pero los críticos los despreciaban y muchos de sus fans estaban cambiando a bandas más nuevas. En un intento bastante desesperado por establecer algo de credibilidad, se reunieron con el productor Bob Ezrin, quien había dirigido su mejor álbum de estudio, Destroyer de 1976, y elaboraron un disco conceptual elaborado sobre un universo distópico donde un héroe valiente nombró solo al niño que lucha contra el mal. efectivo. Parecía una apuesta bastante segura ya que Ezrin acababa de producir la obra de Pink Floyd de 1979, The Wall, pero Kiss no es Pink Floyd. El álbum fue destrozado por la prensa del rock y los fans restantes simplemente lo ignoraron. La banda ni siquiera se molestó en hacer una gira detrás de él, y una película de Elder planeada nunca se materializó. "Esa fue la única vez que diría que Kiss sucumbió a las críticas", dijo más tarde Gene Simmons. “Queríamos un éxito crítico. Y perdimos la cabeza”.

La carrera en solitario de Pete Townshend tuvo un comienzo muy fuerte con su lanzamiento oculto de 1972, Who Came First, y alcanzó su punto máximo con Empty Glass de 1980 y All the Best Cowboys Have Chinese Eyes de 1982. Incluso hay buenos momentos en White City: A Novel de 1985. (Alerta de spoiler: en realidad no es una novela). Pero Townshend chocó contra un iceberg artístico y se hundió con Psychoderelict de 1993. Es un disco conceptual sobre una estrella de rock de los sesenta que se une a un reportero musical de un tabloide para revivir su carrera. Hay un diálogo real de estos personajes entre muchas de las canciones, y pequeños fragmentos de los clásicos de Who “Who Are You” y “Baba O'Riley” esparcidos por todas partes, pero todo resulta en un desastre aburrido. Lo peor de todo es que las canciones simplemente no están ahí. “English Boy” y “Now and Then” funcionaban en el escenario cuando Townshend los despojó acústicamente, pero están enterrados bajo sintetizadores en el álbum. Townshend intentó salvar Psychoderelict relanzándolo sin ningún diálogo, pero ya era demasiado tarde. El álbum fue una bomba enorme. También marcó el final de su carrera en solitario.

Aerosmith lanzó un regreso extremadamente improbable en la cima del hair metal de los años 80, gracias a escritores externos y a temas como “Love in an Elevator” y “Rag Doll”. De alguna manera se hicieron aún más populares en la era del grunge debido a “Cryin”, “Crazy”, “Living on the Edge” y el atractivo de una adolescente Alicia Silverstone. Pero cuando llegó el momento de cortar Nine Lives de 1997, se estaban derritiendo gracias a las batallas con su manager, las luchas internas y la deserción temporal del baterista Joey Kramer debido al dolor por la muerte de su padre. También expulsaron al genio de Columbia A&R, John Kalodner, a pesar de que jugó un papel fundamental en la planificación de su regreso. Los resultados fueron sesiones muy caóticas supervisadas por el productor de Journey, Kevin Shirley, y baladas mediocres como “Hole in My Soul” y “Falling in Love (Is Hard on the Knees)” que parecían pálidas imitaciones de éxitos anteriores. Finalmente trajeron a Kalodner de regreso para intentar salvar el proyecto, pero ya era demasiado tarde. El álbum todavía se vendió relativamente bien, y un par de años después lo siguieron con el éxito número uno “I Don't Want to Miss a Thing”, pero Nine Lives ha envejecido terriblemente. Si dudas de nosotros, dale una vuelta a “Ain't That a Bitch” o “Taste of India”.

Devo estaban a solo 10 años de “Whip It” cuando comenzaron a trabajar en Smooth Noodle Maps de 1990, pero debe haber parecido una eternidad. Su incapacidad para conseguir otro éxito de radio o encontrar una tracción real en la era de MTV les costó su contrato con Warner Bros. después de que Shout de 1984 alcanzara el puesto 83, y su paso al sello independiente Enigma hizo poco para revivir sus fortunas. El álbum del grupo de 1988, Total Devo, no superó el número 189, y la mayoría de los fans apenas eran conscientes de su existencia. Lo intentaron una vez más con Smooth Noodle Maps, pero llegaron a este punto tan abatidos que llamaron a una de las canciones “Devo Has Feelings Too”. El álbum intentó infundir en la música de Devo elementos del dance-pop contemporáneo, pero simplemente no funcionó. Como prueba, echa un vistazo a su versión monótona del clásico folk de Bonnie Dobson “Morning Dew”. Mark Mothersbaugh ya estaba dedicando gran parte de su tiempo a proyectos de cine y televisión cuando Devo grabó este disco, y parece que su mente estaba claramente en otra parte. El álbum ni siquiera llegó a las listas de álbumes y no intentarían otro hasta 2010.

Liz Phair se vio en una posición muy incómoda cuando Capitol absorbió a la potencia independiente Matador a finales de los noventa. De repente, el cantautor independiente detrás de obras veneradas como Exile in Guyville y Whip-Smart estaba en un sello importante. No les importaba el elogio de la crítica. Sólo querían golpes. Sintiendo que no tenía otra opción, Phair contrató al equipo de composición y producción de The Matrix. Acababan de trabajar con Avril Lavigne en sus grandes éxitos "Complicated" y "Sk8er Boi" y continuarían trabajando con Britney Spears, Shakira y Ricky Martin. Para decirlo suavemente, esto no encajaba perfectamente. "Es triste que un artista tan innovador como Phair se vea reducido a trucos publicitarios baratos y pop adolescente hipercomercializado", escribió Pitchfork en una reseña de 0,0 estrellas tan mordaz que finalmente se disculparon por ello. "Pero claro, este es 'el álbum que siempre quiso hacer', uno en el que todas sus peculiaridades y limitaciones son absorbidas en clichés bien probados y, en última instancia, uno que bien podría ni siquiera existir".

Weezer ha cometido bastantes errores creativos desde que resurgieron en el cambio de milenio con el Green Album, pero al menos las deficiencias de álbumes como OK Human, Black Album y Pacific Daydream se ven afectadas por las deficiencias de Weezer solo o fuera. compositores que comparten la estética de Weezer. En Raditude de 2009, trajeron a Dr. Luke, Lil Wayne, Jermaine Dupri y otros de fuera del mundo de la banda en un intento transparente de volver al Top 40 de la radio. “(If You're Wondering If I Want You To) I Want You To”, coescrito por Butch Walker, hace que el álbum tenga un comienzo sorprendentemente decente, pero colapsa una vez que Dr. Luke se une a la fiesta de “I' m Your Daddy” y se hunde en el abismo cuando Lil Wayne y Dupri entran en escena con “Can't Stop Partying”. Ser un fan incondicional de Weezer implica encontrar cosas que odiar en casi todos los álbumes que hacen, pero la banda nunca les ha dado a sus seguidores tanta munición para usar contra ellos.

En 1978, los Bee Gees y Peter Frampton aprendieron por las malas con su versión cinematográfica de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band que una película con el tema de los Beatles repleta de clásicos de los Fab Four regrabados es una muy, muy mala idea. Pero sólo seis años después, Paul McCartney pensó que podría funcionar si un Beatle real cantara y actuara. Estaba equivocado. En Give My Regards to Broad Street, McCartney interpreta una versión de sí mismo en Bizarro Land tratando de localizar cintas maestras robadas para un álbum. De vez en cuando, se reúne con su viejo amigo Ringo o tiene un sueño muy, muy aburrido que parece no terminar nunca. La banda sonora incluye versiones rehechas de “Yesterday”, “Good Day Sunshine”, “Here, There and Everywhere” y otras canciones de los Beatles. El problema es que nadie pedía tal cosa. No se pueden mejorar los originales, especialmente con los métodos de producción de 1984. Todo esto es simplemente un desastre lamentablemente equivocado que no tiene ninguna razón terrenal para existir.

Joni Mitchell reunió una impresionante alineación de colaboradores para su LP de 1985, Dog Eat Dog, incluidos Thomas Dolby, Michael McDonald, Don Henley, Wayne Shorter, Steve Lukather y James Taylor, pero sus esfuerzos colectivos se suman a un LP genérico de synth-pop. eso hace poco para distinguirse. Mitchell apunta a Ronald Reagan, los televangelistas y la avaricia corporativa, pero las canciones se ven empañadas por la producción antiséptica de los ochenta y su desconcertante decisión de no tocar ninguna guitarra. "Es decepcionante que después de un silencio de tres años, sus críticas sociales sean simplemente el tipo de homilías liberales incruentas que uno esperaría de Rush", escribió Rob Tannenbaum en Rolling Stone. "Si Joni quiere llegar más allá de los fieles que comprarán este LP para mantener sus colecciones completas, ¿por qué Dog Eat Dog es una escucha tan desagradable?"

Los 10 años entre su clásico de 1971 At Fillmore East y Brothers of the Road debieron parecer una eternidad para Allman Brothers Band, debido a las muertes consecutivas del guitarrista Duane Allman y el bajista Berry Oakley, y la ruptura y el reencuentro. de la banda que siguió. Todavía estaban en una situación delicada en 1981, con un miembro clave perdido gracias a la deserción del baterista Jaimoe, y sin embargo, de alguna manera Clive Davis pensó que estaban en condiciones de sacar sencillos exitosos para Arista. Eso explica el brillo brillante de Brothers of the Road y la ausencia de su característico ataque de guitarra gemela. "Más que cualquier otro LP con el nombre de Allman Brothers, Brothers of the Road está orientado a los sencillos", escribió Robert Palmer en Rolling Stone. "La interacción característica de dos guitarras del grupo se ha reducido a un relleno conciso en la mayoría de las pistas, y tampoco hay ninguno de los temas instrumentales familiares de la banda". En otras palabras, se trataba de una banda con una crisis de identidad que intentaba en vano adaptarse a una nueva era musical. No funcionó.

Run-DMC es sin duda uno de los grupos más importantes de la historia del rap, y sus cuatro álbumes ochenteros son prácticamente impecables. Pero el mundo del hip-hop experimentó cambios sísmicos en los años noventa gracias a Public Enemy, NWA, Jay-Z y Eminem, y Run-DMC parecían reliquias de un pasado lejano, a pesar de discos como Back From Hell de 1990 y Down With the de 1993. King, donde hicieron todo lo posible para mantenerse al día con las tendencias. En 2001, decidieron que la única forma de ganarse a la audiencia de TRL era traer a Fred Durst, Sugar Ray, Kid Rock, Overland, Fat Joe, Method Man y Stephan Jenkins al estudio. Hay un invitado en casi todos los temas de Crown Royal, pero nadie quería escuchar al tipo Third Eye Blind cantar con Run-DMC. El álbum fue una bomba colosal y el grupo terminó trágicamente al año siguiente cuando Jam Master Jay fue asesinado.

La producción de Madonna, desde su LP debut de 1983 hasta Music del año 2000, es una de las carreras más impresionantes en la historia de la música pop. Pasó por cambios estilísticos tipo Bowie en prácticamente todos los álbumes, pero siempre se mantuvo al tanto de las tendencias y nunca perdió su capacidad para generar éxitos. Todo eso llegó a su fin en 2003 con American Life. Lanzado semanas después del inicio de la guerra de Irak, el álbum encuentra a Madonna enfrentándose a un mundo posterior al 11 de septiembre y al deseo de ir más allá de los deseos narcisistas. "Solía ​​vivir en una pequeña burbuja", canta en "I'm So Stupid". “Y quería ser como todas las personas bonitas que me rodeaban/Pero ahora sé con seguridad que fui estúpido”. Estos son sentimientos nobles, pero la música llegó en un momento en que ella apenas estaba aprendiendo a tocar la guitarra y el rap. Sus habilidades en ambos eran bastante rudimentarias, y su decisión de trabajar con el productor francés de techno Mirwais Ahmadzaï (que había estado a bordo del exitoso Music) agregó otro elemento más que causó que todo el proyecto se confundiera irremediablemente cuando no se trataba solo de francamente vergonzoso. En 2003, el mundo tenía poca utilidad para la rapera Madonna. Cuando volvió a la música dance para Confessions on a Dance Floor de 2005, fue un reconocimiento tácito de que había cometido un error horrible.

Neil Young ha emprendido muchos proyectos ambiciosos a lo largo de los años, pero ninguno tan grandioso como su intento de librar al mundo del motor de combustión interna convirtiendo su Lincoln Continental de 1959 en un vehículo totalmente eléctrico, creando un modelo para los fabricantes de automóviles de todo el mundo. globo. Fue difícil lograr que hablara de otra cosa en ese momento, e hizo un álbum completo sobre el esfuerzo con canciones como “Fuel Line”, “Off the Road” y “Hit the Road” que rápidamente comienzan a desdibujarse. El punto más bajo es “Cough Up the Bucks”, donde aborda la avaricia corporativa. "Se trata de mi coche", canta. “Suelta el dinero/Suelta el dinero/Todo se trata de mi auto/Suelta el dinero/Suelta el dinero”. Cuando lo tocó durante un concierto notoriamente largo en el Madison Square Garden en 2008 con ocho canciones del álbum y una toma descartada, un puñado de personas literalmente se quedaron dormidas.

Lil Wayne es un genio del hip-hop. Pero aprendió por las malas con Rebirth de 2010 que sus habilidades no se transferían al mundo del rock and roll. Venía de una larga racha ganadora con tres álbumes consecutivos de Tha Carter y había estado en el Top 40 de la radio con éxitos como "Lollipop" y "Got Money". Sin embargo, eso no significaba que sus fans quisieran escuchar cómo sonaría junto con guitarras y baterías de rock, incluso si Eminem y Nicki Minaj estuvieran presentes. "Él farfulla y se lamenta sobre temas llenos de agresividad y riffs suaves", escribió Christian Hoard de Rolling Stone. “Parece como si hubiera estado escondido con un montón de discos de Spymob e Incubus. Wayne gruñe como un Kid Rock autoajustado en la fanfarrona 'American Star'. Pero el hiperinteligente Wayne que conocemos está desaparecido en acción en el angustiado golpeador de pecho 'Runnin'. Extiende su graznido más allá del punto de quiebre en 'I'll Die for You', como una versión del siglo XXI de la era trans Neil Young: un genio con problemas vocales atrapado en el limbo”.

Cheap Trick produjo algunos álbumes realmente geniales a principios de los años ochenta, pero ninguno de sus sencillos alcanzó el Top 40, y la paciencia de su sello Epic comenzó a agotarse. En 1986, contrataron al productor Tony Platt con el objetivo de crear un disco con un sonido más moderno. Eso significó, por supuesto, capas de sintetizadores cursis y baterías electrónicas en cada pista. El impulso es comprensible ya que Don Henley, Steve Winwood, Elton John, Rod Stewart y otras estrellas de los setenta consiguieron grandes éxitos utilizando la misma fórmula, pero simplemente no funcionó para Cheap Trick. No tenían ni una sola canción nueva pegadiza para grabar, y está claro por puntos bajos como “The Doctor”, “Rearview Mirror Romance” y “Kiss Me Red” que sus corazones no estaban en este proyecto en absoluto. Casi nunca tocan ninguna de las canciones en concierto, y la única razón real para tocar The Doctor hoy es escuchar lo mal que podía sonar un disco “moderno” en 1986.

Los Doors todavía eran jóvenes cuando Jim Morrison murió en París en 1971. También estaban inmersos en una colección de canciones que esperaban grabar con él cuando regresara a Estados Unidos. Así que terminaron lo que tenían como trío y lo lanzaron como un nuevo álbum de Doors, Other Voices, con Ray Manzarek y Robby Krieger compartiendo las funciones de voz principal. Probablemente deberían haberlo dejado una vez que quedó claro que el público no tenía interés en unos Doors sin Morrison, pero lograron grabar un álbum más, Full Circle de 1972. Es una mezcla extraña de R&B, jazz, psicodelia y rock que nunca se congela en nada original. También hay una versión desconcertante de “Good Rocking Tonight” que rebautizaron como “Good Rockin'”. Nada de eso funciona. El grupo tomó la decisión lógica de disolverse poco después de que saliera Full Circle y lo mantuvieron fuera de edición durante varias décadas. Pocos fanáticos se quejaron.

Doce años después de Tapestry, Carole King se reunió con el equipo de producción de Lou Adler, el baterista Russ Kunkel y el guitarrista Danny Kortchmar para un nuevo álbum. Pero en lugar de crear otra colección de canciones atemporales, intentaron competir con las bandas New Wave de principios de los ochenta. El álbum comienza con “Computer Eyes” (“No quiero programar hacer el amor / Me gusta real y con sentimiento”) y solo empeora a partir de ahí, incluyendo una nueva versión sin sentido de “Crying in the Rain, ”una canción que escribió para los Everly Brothers dos décadas antes. El álbum ni siquiera entró en las listas, una novedad para King, y pasarían otros seis años antes de que intentara hacer otro.

La decisión de traer a Paul Rodgers a Queen tenía cierto sentido en 2005. El guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor necesitaban desesperadamente un cantante, y Rodgers se encontraba sin banda desde que Bad Company estaba en pausa. Unir fuerzas fue una oportunidad para montar un espectáculo en un estadio de gran tamaño que mezclara clásicos de Queen con estándares de Rodgers como “All Right Now” y “Feel Like Makin' Love”. "Él era su propio hombre", dijo Taylor una vez que la asociación llegó a su fin. “Él pertenecía al campo del blues-soul, en el que no había mejores. Nuestro material es probablemente demasiado ecléctico”. Esa es una forma educada de decir que no podía cantar “Bohemian Rhapsody” de manera convincente sin que todo pareciera ridículo. Pero no habían llegado a esa conclusión en 2008 cuando Queen + Paul Rodgers entraron al estudio para grabar The Cosmos Rocks. “Bajo el mando de Rodgers, Cosmos Rocks evoca un tramo inolvidable de la radio en coche, con canciones lentas como 'Say It's Not True' que recuerdan a Air Supply", escribió Christian Hoard de Rolling Stone. “Los clichés del rock clásico no son todos culpa de Rodgers: los miembros originales de la banda ayudaron a escribir temas como 'Still Burnin', una improvisación genérica de una banda de bar mezclada con letras líricas como 'la música hace girar al mundo'. El grupo se separó de Rodgers poco después de The Cosmos Rocks. Les fue mucho mejor con Adam Lambert al frente de la banda, pero aún tienen que grabar música nueva. Quizás aprendieron la lección con The Cosmos Rocks.

A principios de los años ochenta, George Harrison era un músico semi-retirado cuyos principales intereses eran las carreras de coches y la producción de películas. Pero le debía a Warner Bros. un último álbum de su contrato antes de poder dedicarse a tiempo completo a esas actividades. El resultado fue Gone Troppo, un disco sumamente mediocre impulsado por sintetizadores y canciones ligeras y pop como “Wake Up My Love” y “That's the Way It Goes” que iban y venían sin que la mayoría de los fans se dieran cuenta de que existían. "Tan informal y desenfadado que resulta completamente insustancial", escribió Steve Pond en una reseña de dos estrellas de Rolling Stone, "el LP se compone de cancioncillas desechables, fragmentos instrumentales y canciones de amor formuladas". Harrison pasó la siguiente media década fuera de la red musical, pero regresó con fuerza en 1987 gracias al productor Jeff Lynne, su versión de "I Got My Mind Set on You" y la formación de Travelling Wilburys. En ese momento, Gone Troppo era una nota a pie de página olvidada.

No es fácil elegir el peor álbum de Lou Reed considerando que este es el hombre que nos dio Metal Machine Music, Sally Can't Dance y Lulu, pero finalmente nos quedamos con Mistrial de 1986. El colosal fracaso se produjo después de una racha de álbumes sólidos a principios de la década de 1980 y no lograron generar nada parecido a un éxito. Reed había intentado buscar un sonido más comercial en su álbum anterior, New Sensations de 1984, y había funcionado bastante bien. Mistrial también tenía un sonido moderno. Esta vez, sin embargo, las canciones que había simplemente apestaron. Para empeorar las cosas, pensó que el mundo estaba listo para escucharlo rapear (gemido) "The Original Wrapper". “Blancos contra blancos, negros contra judíos”, rapea. “Parece que estamos en 1942/El bebé se sienta frente a MTV/Viendo fantasías violentas/Mientras papá bebe cerveza practicando su deporte favorito”. En otra parte del disco, se pronuncia contra las películas violentas y termina sonando como un miembro del conservador PMRC. “Al final de la cuadra, en algún teatro local”, canta. "Se están agarrando la entrepierna en la decapitación número 13/Mientras los muertos resucitan para vivir, los vivos se hunden para morir/Las corrientes son profundas y furiosas en el interior". Reed se recuperó en 1989 con New York, dejando a Mistrial como uno de los álbumes más olvidados de su catálogo notoriamente desigual.

David Bowie sufrió una gran racha de frío creativo inmediatamente después de su éxito de 1983, Let's Dance, lanzando álbumes mediocres como Tonight y los dos lanzamientos de Tin Machine que dejaron incluso a sus fanáticos más incondicionales extremadamente decepcionados. Pero el claro punto bajo fue Never Let Me Down de 1987. “Mi punto más bajo fue Never Let Me Down”, dijo en 1995. “Fue un álbum terrible. Realmente ni siquiera debería haberme molestado en ir al estudio a grabarlo. De hecho, cuando lo juego, me pregunto si a veces lo hice”. El disco es una muestra de las horribles elecciones de producción de los años ochenta. Bowie nunca tocó una sola canción de Never Let Me Down en concierto después de la gira inicial, y reelaboró ​​completamente “Time Will Crawl” con batería en vivo e instrumentación moderna cuando montó la compilación iSelect de 2008. "Oh", escribió en las notas, "rehacer el resto de ese álbum". Dos años después de su muerte, el productor Mario McNulty hizo exactamente eso para una caja con la obra de Bowie de los años ochenta.

Poco después de que el manager musical Tony DeFries se separara de David Bowie, se encontró con un niño de Indiana llamado John Mellencamp con sueños de estrellato y varios años detrás de él en el circuito de bandas de bares. Le cambió el nombre a Johnny Cougar, consiguió un contrato con MCA y produjo un disco repleto de versiones de canciones como “Oh, Pretty Woman” y “Jailhouse Rock”. También dijo a la prensa que había descubierto un nuevo Bruce Springsteen. Los críticos no estuvieron de acuerdo. "Johnny Cougar es un cantante cómicamente inepto que desafortunadamente se toma a sí mismo en serio", escribió John Swenson en una brutal reseña de Rolling Stone. "Su álbum debut está lleno de posturas ridículas sin nada que las respalde... simplemente otro pop desechable y listo para usar". El álbum ni siquiera apareció en el Billboard 200, MCA lo abandonó rápidamente y regresó a Indiana pensando que había desperdiciado su única oportunidad de alcanzar el éxito. Las cosas cambiaron apenas un par de años después, cuando se mudó a Londres y consiguió un éxito con "I Need a Lover".

Michael Jackson tenía poco uso artístico o comercial para sus hermanos en los años ochenta, pero sintió la obligación de unirse a ellos en el decepcionante Victory de 1984. Incluso los trajo de gira en 1984 cuando, según toda lógica, debería haber tocado en estadios como solista. Cuando llegó el momento de editar 2300 Jackson St. de 1989, Michael no estaba dispuesto a contribuir con nada más que la voz a la dolorosamente empalagosa canción principal. Del resto estuvo a cargo sus hermanos y colaboradores de primer nivel como Diane Warren, Babyface y Teddy Riley. A pesar de algunos momentos decentes como “Nothin' (That Compares 2 U)”, nada aquí siquiera hizo mella en la conciencia pública. Los Jackson se separaron después de su fracaso, y sólo se reunieron para algún que otro concierto de canciones antiguas.

Stephen Stills tenía buenas razones para intentar revivir su carrera en solitario en 1984. Habían sido unos años muy difíciles para Crosby, Stills y Nash, gracias a los problemas de adicción y legales de David Crosby que pronto llevarían al cantante a una prisión de Texas. . A pesar de todo eso, el tema de CSN escrito por Stills, “Southern Cross”, fue un auténtico éxito en 1982. Pero simplemente no tenía otro “Southern Cross” en el bolsillo cuando entró al estudio para grabar Right By You. Lo que tenía era una colección de canciones mediocres como “50/50”, “Stranger” y “No Problem” que ni siquiera el guitarrista invitado Jimmy Page podía mejorar. El punto más bajo llega cerca del final cuando aborda la acústica “Only Love Can Break Your Heart” de Neil Young y combina sintetizadores, cajas de ritmos y un toque de reggae. El resultado final es casi un acto de violencia contra una de las canciones más bellas de su amigo.

Elton John era un auténtico desastre en 1986. Era un adicto irremediable a la cocaína, lidiaba con importantes problemas vocales debido a pólipos en sus cuerdas vocales y estaba atrapado en un matrimonio sin amor con la ingeniera de grabación Renate Blauel. No estaba en condiciones de grabar un nuevo álbum, pero en aquellos días sacaba uno al año como un reloj, sin importar lo que sucediera en su vida. Éste, sin embargo, fue el primero sin un sencillo Top 40 desde principios de los años setenta. Esto se debe a que no hay una sola melodía o gancho memorable en todo el disco, y la producción es horrible incluso para los débiles estándares de 1986. “Leather Jackets tiene muchas canciones horribles y hay un trabajo muy desigual en el ' "Los años 80 y 90 debido al hecho de que no me estaba concentrando en lo que estaba haciendo", dijo en 2001. "Y por las drogas, por supuesto". Lo ha llamado varias veces el peor álbum de su catálogo, aunque su compañero de composición, Bernie Taupin, no está de acuerdo. "Creo que en realidad hay un par de buenas canciones allí", le dijo a Rolling Stone en 2013. "Ciertamente no creo que sea el punto más bajo". Lo siento, Bernie. Vamos a ir con Elton en este caso.

Van Morrison siempre ha sido un excéntrico, pero cruzó el territorio de los trolls de derecha en Latest Record Project, Volumen 1 de 2021. “El nuevo disco de Morrison tiene un extraño parecido con la sensación desquiciada y divagante de Internet en la era de la pandemia”, Rolling Jonathan Bernstein de Stone escribió en una reseña: "La mayoría de las veces, sus 28 pistas aparecen como una colección de mensajes de mierda, subtweets y diatribas de Reddit que imitan los ritmos de John Lee Hooker". Eso no es un error tipográfico. Hay 28 canciones repartidas en dos discos y 127 minutos interminables, con títulos como "Stop Bitchin, Do Something", "¿Why Are You on Facebook?" y "They Own the Media". (¿Quiénes son exactamente “ellos” a los que te refieres aquí, Van?) Lamentablemente, la música es tan vaga como su pensamiento. Casi nos sentiríamos mal por el tipo si no estuviera usando su arte como una forma de difundir mensajes peligrosamente estúpidos sobre las vacunas. Esperemos que no llegue un Volumen 2 en algún momento. No necesitamos escuchar la opinión de Van sobre Hunter Biden.

Es posible que los Beach Boys se hayan distanciado de Brian Wilson cuando lanzaron Summer in Paradise en 1992, pero tuvieron un renovado sentido de propósito gracias a su éxito “Kokomo” cuatro años antes. Mike Love decidió que debían hacer un álbum que sirviera como “banda sonora por excelencia del verano”, por lo que mezclaron reposiciones de viejos éxitos como “Surfin'” y “Forever” con versiones como “Hot Fun in the Summertime” de Sly and the Family Stone. y “Remember (Walking in the Sand”) de Shangri-Las. Todo esto es tan inútil como parece, y ciertamente no mejora cuando John Stamos aparece para cantar las partes de Dennis Wilson en "Forever". Descontando su esfuerzo de crossover country de 1996 Stars and Stripes Vol. 1, que es la definición de descontable, ni siquiera intentarían otro álbum adecuado hasta That's Why God Made the Radio de 2012.

En cierto modo, es fácil simpatizar con la sección rítmica de Creedence de Doug Clifford y Stu Cook. Ver a su compañero de banda John Fogerty escribir y producir todas sus canciones originales debe haber sido profundamente frustrante. En la mente del público, se convirtieron en sus meros músicos de respaldo a pesar de que el grupo había estado trabajando juntos desde la escuela secundaria. Pero la triste verdad de este asunto es que Fogerty es brillante escribiendo canciones, y no lo es. Esto es dolorosamente evidente en el LP Mardi Gras de 1972 del grupo, donde Fogerty acordó darles la oportunidad de escribir canciones, cantar y producir. Jon Landau habló en nombre de muchos críticos cuando escribió que era "el peor álbum que he escuchado de una banda de rock importante". Se separaron poco después de que fracasara. Cuando Clifford y Cook volvieron a estar juntos en 1995 como Creedence Clearwater Revisited, sin su ex líder, no incluyeron ni una sola canción de Mardi Gras en su espectáculo. Resulta que, después de todo, basar el repertorio de toda una banda en la música de Fogerty no fue tan mala idea.

En el pico de la adicción a las drogas de David Crosby a principios de los años ochenta, Neil Young prometió que aceptaría un nuevo álbum de CSNY si Crosby limpiaba su vida. Croz necesitó un período en prisión para dejar su hábito de base libre, pero Young cumplió su palabra cuando fue liberado. El problema es que Crosby, Stills y Nash habían estado en una pausa en la composición de canciones durante años y no tenían a mano otra serie de temas como “Wooden Ships” o “Teach Your Children”. Mientras tanto, Young guardaba sus mejores canciones para sus discos en solitario y les daba basura de último nivel como “This Old House” y “American Dream”. Stills y Young intentaron revivir su asociación como compositores de la era Buffalo Springfield en “Got It Made” y “Night Song”, pero la magia de los sesenta había desaparecido. El álbum fue un fracaso total y ni siquiera hicieron una gira detrás de él. Cuando finalmente salieron de gira en 2000, no tocaron ni una sola canción de American Dream. En ese momento, era una nota a pie de página medio olvidada de su larga saga.

En 1963, salieron los Beatles, The Freewheelin' Bob Dylan y los primeros sencillos de los Rolling Stones. Mientras tanto, Elvis Presley estaba en Acapulco filmando otra película, Diversión en Acapulco. En este, Elvis interpreta a un salvavidas (que canta, por supuesto) atrapado en una rivalidad con un compañero salvavidas. Para los bajos estándares de las películas de Elvis, es semi-visible. También fue un éxito. La banda sonora rapidita es otra historia. En un momento en que Elvis necesitaba mejorar su juego para competir con una nueva generación de estrellas de rock, cantaba "The Bullfighter Was a Lady", "(There's) No Room to Rhumba in a Sports Car" y "You Can' Di No en Acapulco”. Es muy difícil encontrar un punto bajo en la carrera discográfica de Presley, ya que hubo muchos, pero muchos verdaderos aficionados a Elvis señalan este álbum, y con razón.

Desde una perspectiva estrictamente histórica, Unfinished Music No. 1: Two Virgins es un álbum sumamente importante. El LP de 1968 marcó el comienzo de la carrera en solitario de John Lennon y su colaboración creativa con Yoko Ono, al tiempo que ofrecía una ventana a su mundo privado. La imagen desnuda de Lennon y Ono en la portada indignó a la derecha religiosa y ayudó a generar mucha atención para una revista de rock incipiente llamada Rolling Stone cuando la publicación la puso en portada. Sin embargo, desde una perspectiva musical, Unfinished Music No. 1: Two Virgins es dolorosamente aburrido y, en general, inútil. Los dos lados de 14 minutos consisten en pequeños pero inaudibles fragmentos de diálogo hablado, bucles de cinta, efectos de sonido y lamentos de Ono. No tiene casi nada de musical y pasar los 28 minutos completos es un trabajo brutal. Dos años después, John Lennon/Plastic Ono Band llegó a las tiendas. Es el polo opuesto de Unfinished Music No. 1: Two Virgins en todos los sentidos imaginables. En otras palabras, es perfecto.

Forbidden es un disco de Black Sabbath sólo en el sentido más amplio posible. El guitarrista Tony Iommi era el único miembro que quedaba en este momento, e incluso los miembros más recientes como Ronnie James Dio no se ven por ningún lado. En ese momento, el grupo esencialmente había estado en el desierto durante una década, y su sello los convenció de que Ice-T podía entrar al estudio y hacer que la banda volviera a parecer moderna y moderna. “Nos vendieron que Ice-T iba a producir”, dijo el bajista Neil Murray a Rolling Stone en 2021. “Y luego resultó ser su guitarrista [Ernie C] de Body Count. No creo que nadie realmente pensara que él aportó ideas adecuadas a la producción o cómo terminó la mezcla. En general estábamos bastante decepcionados. Pero fue como, 'Aquí tienen, periodistas y fans, aquí hay un álbum que realmente pueden disfrutar'. Les dio demasiadas municiones sobre cómo sonaba el álbum. La banda no estaba contenta con eso y nadie más tampoco”. Cuando el álbum se derrumbó entre los fanáticos y los críticos, Iommi no tuvo más remedio que reunir a la alineación de Ozzy Osbourne y fingir que todo el asunto de Ice-T nunca sucedió.

Los aficionados a Dylan han estado discutiendo durante décadas sobre si alcanzó o no el nadir de su funk creativo de los ochenta en Knocked Out Loaded de 1986 o Down in the Groove de 1988. Ciertamente está cerca, pero Knocked Out Loaded tiene una obra maestra certificable: su colaboración épica con Sam Shepard, "Brownsville Girl". Mientras tanto, Down in the Groove no tiene un solo momento redentor. Es una colección rígida y sin vida de covers (“Rank Strangers to Me”, “Shenandoah”), colaboraciones con el letrista de Grateful Dead Robert Hunter (“Silvio”, “Ugliest Girl in the World”) y originales (“Death Is Not the End”, “Had a Dream About You, Baby”) que se ven empañados por sonidos cursis de batería y sintetizadores de los ochenta y una sensación general de extrema pereza. Eric Clapton, Bob Weir, Jerry García, Mark Knopfler y Paul Simonon de The Clash se unen a las festividades, pero ni siquiera su poder estelar colectivo puede salvar este desastre. Sin embargo, días después de su lanzamiento, Dylan comenzó su Never Ending Tour. Fue una experiencia rejuvenecedora que significó que nunca más volviéramos a tener un álbum tan horrible como Down in the Groove, incluso si estuvo bastante cerca con Under the Red Sky de 1990.

Pantera es sin duda una de las mejores bandas de metal de su época. Sin embargo, lo que mucha gente no sabe es que fueron una de las peores bandas de metal de una época anterior. Si necesitas convencerte, mira su debut de 1983, LP Metal Magic, donde suenan como una banda para el cabello genérica de clase B. Para ser justos, Dimebag Darrell y Vinnie Paul todavía eran adolescentes cuando hicieron este álbum y fue producido por su padre, el cantante de country Jerry Abbott. Tampoco habían unido fuerzas con el líder Phil Anselmo. Su predecesor, Terry Glaze, es un aspirante desesperado a Paul Stanley. Esto es Pantera sólo de nombre, pero aún cuenta como un álbum genuino de Pantera. Y es absolutamente horrible.

A finales de los años ochenta, los rockeros progresivos Yes se habían dividido en dos versiones enfrentadas de la banda al borde de una batalla judicial muy costosa. Estaba “Owner of a Lonely Heart” Yes, con el baterista Alan White, el bajista Chris Squire, el teclista Tony Kaye y el guitarrista Trevor Rabin, y estaba el Yes de los setenta, con el baterista Bill Bruford, el teclista Rick Wakeman, el guitarrista Steve Howe y El cantante Jon Anderson. Finalmente se dieron cuenta de que un Sí dividido contra sí mismo no podía sostenerse, y formaron una versión singular de Super Yes y reservaron una gira por estadios. También decidieron grabar un álbum. “El problema era que estábamos a tres cuartos de un álbum”, dijo Wakeman a Rolling Stone en 2019. “Habían tres cuartos de un álbum. Así que el álbum fue entregado a un tipo al que ni siquiera se le debería permitir una batidora de alimentos, y mucho menos un álbum. Hizo el trabajo más terrible en el álbum Union”. Parte de ese “trabajo terrible” implicó traer músicos de estudio anónimos a pesar de que se trataba de una banda con dos guitarristas, dos bateristas y dos teclistas. "Lo llamé el álbum Onion", dijo Wakeman, "porque me hizo llorar".

The Velvet Underground era una banda sólo de nombre cuando lanzaron Squeeze a principios de 1973. Los cuatro miembros originales de la enormemente influyente banda de Nueva York se habían ido uno por uno durante los años anteriores debido a tensiones internas y a que el grupo no podía tener ni siquiera un un poquito de éxito comercial. Probablemente este fue un buen momento para dejarlo todo, pero el manager Steve Sesnick tuvo la loca idea de que de alguna manera podrían seguir adelante con el bajista Doug Yule, quien reemplazó al miembro fundador John Cale en 1968, asumiendo el cargo de líder. Yule fue una verdadera ventaja cuando grabaron The Velvet Underground de 1969 y Loaded de 1970, pero en esos discos todavía tenía a Lou Reed cerca para escribir todas las canciones y cantar la gran mayoría de ellas. Con Reed fuera de escena, Yule tuvo que encargarse de todo él mismo. En sus propias palabras, era como “un ciego guiando a otro ciego”. Squeeze podría haber estado bien como un esfuerzo en solitario de Doug Yule, pero ¿como un álbum de uno de los mejores grupos de rock de todos los tiempos? Definitivamente no. Sin embargo, inspiró a un grupo advenedizo del Reino Unido liderado por Glenn Tilbrook y Chris Difford a llamarse Squeeze. En muchos sentidos, ese es su mayor legado.

Los últimos cinco años de la vida de Kanye West han sido tan increíblemente tristes y autodestructivos, que culminaron con una horrible serie de entrevistas a finales de 2022 en las que elogió a Hitler y defendió a los nazis, que sus álbumes recientes casi han sido una ocurrencia tardía para la mayoría de la gente. Sin duda, son las peores obras de su carrera, y sería fácil elegir a Jesus Is King o Donda como el momento más bajo. Pero nos quedamos con Ye de 2018 porque marca el comienzo del colapso artístico y personal más desastroso en la historia de la música popular. Con apenas 23 minutos de duración, el álbum caótico y a medio cocer se cortó en Wyoming justo en el momento en que le dijo a TMZ que la esclavitud era una “elección” y comenzó a usar un sombrero MAGA en público. El revuelo por su comentario sobre la esclavitud le llevó a reelaborar muchas de las letras de Ye durante dos semanas frenéticas, poco antes de que saliera el álbum, lo que explica discursos como "Imagínense si me pillaran en un día salvaje/Ahora estoy en 50 blogs". ' 50 llamadas/Mi esposa llama, grita y dice: 'Estamos a punto de perderlo todo'”. Los escándalos de Kanye de 2018 parecen casi pintorescos en comparación con sus problemas recientes, pero nunca ha hecho que la música sea menos vital que esto.