Las 100 mejores canciones de heavy metal de todos los tiempos

Por piedra rodante

Miles de años después de las Edades del Bronce y del Hierro, la verdadera Edad de los Metales comenzó hace medio siglo. En 1970, Black Sabbath evocó de manera convincente la verdadera esencia del mal con el pesado riff de guitarra de tres acordes de apertura de la canción “Black Sabbath”, que consagró el primer triturador de heavy metal puro, y las ondas se han extendido virulentamente desde entonces. Judas Priest sintonizó las melodías oscuras y irregulares de Sabbath para crear sus propias miniépicas intrincadas y que violan la ley, Metallica aceleró los tempos de Priest para darles casos de latigazo cervical a los headbangers, bandas para el cabello como Mötley Crüe y Quiet Riot arreglaron la música para MTV, y nu -Mutantes del metal como Korn y Slipknot le dieron un toque sombrío de post-rock alternativo y hip-hop. Al mismo tiempo, sus verdaderos creyentes han creado ramas globales extremas como el death metal, el doom metal y el black metal.

En esas más de cinco décadas, los fanáticos del metal han adoptado las canciones del género como intensas declaraciones de individualidad. Para ser un metalero, estás rechazando la normalidad, estás dispuesto a creer en ti mismo y visitar tu lado oscuro porque sabes que los decibeles que matan los tímpanos y las letras agresivas son el crisol en el que sientes algo nuevo y único. Años después de su ruido inicial, el metal es ahora una fuerza cultural. Con el tiempo, el heavy metal encabezó las listas de éxitos, sirvió de base para películas exitosas, salvó el día en programas de televisión e incluso señaló prosperidad en todo el mundo.

De lo que se han dado cuenta millones de fans en todo el mundo es que una buena canción de metal te transporta. En medio de tambores ensordecedores y voces gruñidas, la melodía de metal ideal relaciona poder, resiliencia e incluso esperanza. Mientras que los oídos menos cultos sólo escuchan ruido y rabia, los metaleros reconocen los matices. Una canción como “Fade to Black” de Metallica, por ejemplo, en realidad te ayuda a escapar de tu oscuridad personal en lugar de fomentarla. El metal siempre ha consistido en superar el miedo y encontrar una comunidad entre marginados con ideas afines. Se trata de unión.

El grupo de headbangers que Rolling Stone reunió para clasificar las 100 mejores canciones de heavy metal de todos los tiempos debatió durante varios meses los méritos de más de 300 canciones valiosas. Estas personas incluyen escritores y críticos que han escrito para Rolling Stone durante décadas y colaboradores de publicaciones centradas en el metal. Muchos votantes de la lista contribuyeron a la lista de los mejores álbumes de metal de RS hace unos años.

Esta vez, hablamos de las primeras canciones de metal que se remontan a la ensordecedora versión de Blue Cheer de “Summertime Blues” hasta clásicos instantáneos recientes como “Executioner's Tax (Swing of the Axe)” de Power Trip. Y mientras manteníamos nuestras mentes abiertas a la definición básica de metal (riffs pesados ​​ascendieron a 11), debatimos las finas líneas entre el hard rock y el metal: Motörhead y AC/DC, bandas de hard rock que grabaron impresionantes declaraciones de furia. que se cruzan con el metal, están aquí, mientras que Guns N' Roses y Kiss, cuya música tiene más una arrogancia general de hard rock, no están. De manera similar, encontrarás canciones de Def Leppard, Lita Ford y Ratt, bandas que definieron un espíritu de metal para la época en que surgieron, incluso si sus canciones no suenan tan intensas como, por ejemplo, Emperor. En los casos de los antepasados ​​del metal, como Led Zeppelin e incluso Black Sabbath, que han evitado la etiqueta "metal", elegimos la mayor cantidad de canciones de metal en sus catálogos. Nuestros colaboradores enviaron boletas de sus selecciones personales para las mejores canciones de metal, las contamos y detectamos algunas sorpresas agradables en cómo se desarrolló la clasificación.

Así que póngase sus chalecos de batalla, levante los cuernos y tenga a mano un collarín mientras Rolling Stone cuenta regresivamente las 100 mejores canciones de heavy metal de todos los tiempos.

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Blasphemy ha sido un eficaz captador de atención durante siglos, pero hasta 1981, el heavy metal nunca había visto a una banda apostar tanto por Satanás como lo hicieron los tres muchachos de Newcastle que se hacían llamar Venom. En contraste con la innovación con visión de futuro de la Nueva Ola del Heavy Metal británico (también conocido como NWOBHM), el trío despojó al heavy metal de su forma más primitiva y contundente. La canción que da título a su álbum debut es un clásico endiabladamente duradero, con un riff perverso que rivaliza con “Fast” Eddie Clark de Motörhead, sin mencionar algunas de las letras más alegremente caricaturescas que el género jamás haya escuchado. Los críticos quedaron horrorizados, los fanáticos del metal se lo comieron y pronto una generación de adolescentes escandinavos tomaría el concepto de “black metal” de Venom y lo seguiría, directo a las puertas del infierno. —AB

A principios de los noventa, Crowbar se estableció como el grupo más brusco de la bulliciosa escena del metal de Nueva Orleans. Pero “Planets Collide”, el tema inicial del quinto álbum de la banda, Odd Fellows Rest de 1998, demostró que había mucho más en el guitarrista, vocalista y líder de la banda Kirk Windstein de lo que sugería su rostro de MTV con muecas y rugidos. La canción reemplazó el golpe infundido de hardcore de Crowbar anterior con un ritmo melódico magníficamente nebuloso, sin duda informado por el amor permanente de Windstein por el oro AM de los 70, mientras que el vocalista cambió su característico ladrido por un canturreo grave mientras narraba la lucha de su hermana con la sustancia. abuso. El resultado fue quizás la primera balada poderosa de sludge-metal y el modelo para la “música pesada y emocional” que desde entonces se ha convertido en una marca registrada de Crowbar. —SA

Todo en Power Trip gritaba retroceso, desde su elegante combinación de hardcore y thrash, basándose en la era dorada del llamado "crossover", hasta la tipografía de la portada del álbum al estilo de 1987. Pero su inteligencia compositiva y su entrega ferozmente intensa se combinaron para crear un verdadero himno de la nueva escuela con “Executioner's Tax (Swing of the Axe)”, el tema destacado de su LP de 2017, Nightmare Logic. “Continúa y mírate/Hoy es tu día de suerte”, escupió el líder Riley Gale en las primeras líneas, apuntando al estupor soporífero que oculta la tristeza de la vida moderna. "¡El verdugo está aquí y está listo para hacerte pagar!" Tras el trágico fallecimiento de Gale en 2020, surgieron muchas versiones de “Swing of the Axe”, incluida una con miembros de Obituary, una banda amada por el fallecido vocalista, que consolidó el estatus de la canción como un estándar del metal moderno. —SA

El prog y el hardcore punk alguna vez parecieron polos musicales opuestos, pero a finales de los noventa, un puñado de bandas innovadoras habían encontrado una manera de combinar la complejidad del primer estilo con la furia del segundo. “43% Burnt” de Dillinger Escape Plan, del emblemático LP debut de la banda de Nueva Jersey en 1999, Calculating Infinity, se convirtió en algo así como el tema principal del movimiento más tarde conocido como mathcore. La brillantez de la canción radica en el contraste entre el crujido groovy y sorprendente de sus sujetalibros y la locura frenética de su sección media, en la que un puñetazo puntillista de tiempos extraños choca de frente con pasajes de tonos limpios al estilo jazz-fusión. El guitarrista Ben Weinman le dijo más tarde a Decibel sobre la era Calculating Infinity que "la única forma de obtener energía de cosas técnicas era hacerlo como una ametralladora que te golpea en el pecho", y "43% Burnt" era el arquetipo de ese ampliamente imitado. acercarse. —SA

Combinando el golpe de NWOBHM con el descaro clásico del rock & roll, el sencillo de 1980 de Girlschool ofreció un encantador y arrogante saludo de dos dedos a los detractores de todo el mundo. El mensaje de la canción de mantenerse concentrado frente a la negatividad (ya sea que esté haciendo cambios muy necesarios en su vida o simplemente tomando una copa) resonaría en cualquier época, pero el hecho de que sea interpretada por una banda exclusivamente femenina (que grabó (en una época en la que este tipo de cosas todavía eran relativamente novedosas) le da un toque extra. Lo mismo ocurre con un par de pistas mordaces de Kelly Johnson, quien sigue siendo uno de los guitarristas más subestimados de la época. -DELAWARE

Robb Flynn jugó un papel importante en la escena thrash del Área de la Bahía de mediados de los años ochenta, pero la mayor contribución del guitarrista y vocalista al canon del heavy metal se produjo al frente de Machine Head, la banda que fundó en 1991 después de dejar Vio-lence. “Davidian”, el tema que abre el debut de la banda en 1994, Burn My Eyes, cristalizó el sonido de la pesadez de los noventa con una sensación sísmica de ritmo y un riff central con un sonido casi industrial, que combinaba brillantemente acordes poderosos amenazantes y armónicos penetrantes. La canción se inspiró en el asedio de Waco en 1993, durante el cual más de 80 miembros del culto religioso Branch Davidian fueron asesinados por las fuerzas del orden en Texas, pero la letra de Flynn sobre la catarsis violenta es lo suficientemente general como para aplicarse a casi cualquier escenario de superación de la opresión. —SA

Helmet surgió del underground del noise-rock, debutando en el sello punk de Minneapolis Amphetamine Reptile con el asalto frío de Strap It On de 1990, fusionando ruido orquestado, precisión del metal, compases complicados, riffs de avalancha y mosh del cantante y guitarrista Page Hamilton. corteza de sargento perforador. “Realmente me gustaban las cosas ruidosas y realmente me gustaban las cosas funky. Realmente amo AC/DC, Sonic Youth y Led Zeppelin”, recordó Hamilton, “En algún lugar ahí está Helmet”. Todo se unió con gloriosa fuerza bruta en “In the Meantime”, de su álbum Meantime de 1992, uno de los avances menos probables y más extremos de MTV en el frenesí del rock alternativo post-Nirvana. —JD

Desde mediados de los ochenta hasta principios de los noventa, los márgenes del metal se volvieron cada vez más extremos, pero Cannibal Corpse llevó la oscuridad a niveles genuinamente incómodos, creando canciones que sonaban como películas snuff auditivas. Su mejor tema es una canción implacablemente contundente sobre, sí, derrumbarse la cara de una víctima indefensa con un mazo. La música encaja con el ambiente: una intro brutal pero ultra pegadiza de stop-time se interrumpe con ritmos explosivos, que dan paso a una hábil pausa de bajo, pero es el gruñido casi subsónico de Chris Barnes (“I… tengo ganas de matar … youuuuu” es una de las únicas líneas que podrías descifrar sin una hoja de letra) que hace que “Hammer Smashed Face” sea tan inquebrantable como un clip de Faces of Death. Millones de espectadores desprevenidos probarían por primera vez la espantosa melodía, y el death metal en su conjunto, cuando apareció en un entorno poco probable: una escena de club del ridículo éxito de Jim Carrey de 1994, Ace Ventura: Pet Detective. —SA

Si Rob Halford es el Dios del Metal, entonces Doro Pesch de Warlock es la Diosa del Metal. El cantante coescribió el atronador himno “All We Are” con el productor Joey Balin después de mudarse de Alemania Occidental a la ciudad de Nueva York. Se convirtió en un éxito mundial inmediato, gracias a su irresistible coro y a las empoderadoras letras de Pesch, entregadas con su característico gruñido de varias octavas. Hasta el día de hoy, Pesch sigue siendo uno de los íconos más queridos del metal, una pionera para las músicas de metal de todo el mundo, y “All We Are” sigue siendo su tema característico. “Tal vez Dios dijo: 'Está bien, ustedes ahora tienen un pequeño éxito'”, dijo Pesch a The Classic Metal Show en 2017. “Fue un poco sorprendente. Pero cuando la gente cantaba en el estudio, me di cuenta de que había algo de magia que era poderosa”. —AB

Siguiendo a los pioneros de los ochenta como Queensrÿche y Fates Warning, Dream Theater se convirtió en el líder del metal progresivo estadounidense en los noventa. Un año después de que Nirvana lanzara “Smells Like Teen Spirit” con todos sus riffs de guitarra crudamente simples, Dream Theater se aferró al vistoso tecnicismo del rock progresivo, obteniendo improbablemente un éxito con el vertiginoso espectáculo de su sencillo debut, “Pull Me Under”. Una epopeya hábilmente arreglada construida alrededor de la enorme batería de Mike Portnoy y los riffs musculosos pero intrincados del guitarrista John Petrucci y florituras al estilo de Yngwie Malmsteen, la pista cambia sin esfuerzo de un movimiento a otro, haciéndose eco de Yes de dos décadas antes. El cantante James LaBrie canta apasionadamente letras detalladas y filosóficas inspiradas en Hamlet de Shakespeare, manteniendo accesible esta composición aparentemente archi durante ocho emocionantes minutos. —AB

Chuck D de Public Enemy necesitaba convencerse de que “Bring the Noise”, un sencillo de la revolucionaria obra maestra del grupo de rap de 1988, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, podría funcionar como una canción de metal. Luego, el baterista de Anthrax, Charlie Benante, le envió una demostración de su visión destructora de parlantes. Encajó con el rapero debido a las ingeniosas interpretaciones de guitarra de los thrashers de las muestras de la canción original y la versión en vivo de Benante del ritmo “Funky Drummer” del stickman de James Brown, Clyde Stubblefield. Se sintió tan bien que los dos grupos decidieron salir de gira juntos, organizando la primera gira de rap-metal, durante la cual interpretaron la canción en vivo. “Incluso con Anthrax golpeando sus guitarras durante el número, cuando tocamos en vivo, corté a ese hijo de puta como una sierra circular”, recordó Chuck D en el libro The Sound of the Beast. “George Clinton dijo: 'Maldita sea, eres una de las pocas personas que conozco que puede romperle el culo a un amplificador Marshall'”. —KG

El Mike Muir que arremetió contra las escuelas, las iglesias y una madre que no cumplió con su simple pedido de “sólo una Pepsi” en “Institutionalized” sonó como un adolescente quejoso en comparación con la dinamo incontenible que encarna en “You Can't Bring”. Me Down”, el tema que solidificó la transformación de Suicidal Tendencies de un skate punk hiperactivo de los ochenta a un sofisticado grupo de metal de los noventa. Escrita por Muir y el guitarrista Rocky George, la canción se construye desde arpegios melancólicos y de tonos limpios hasta furiosos ritmos rápidos, mientras el líder recalca el mensaje central de la canción de desafío para todo propósito, mientras dispara gran parte de su patentado sonido único amplificado. revestimientos. “Y si te ofendí, oh, lo siento”, bromea cerca del final, preparándose para rematar uno de los grandes himnos del metal de todos los tiempos, “pero tal vez necesites ofenderte. Pero aquí está mi disculpa. Y una cosa más… ¡Que te jodan!” —SA

River Runs Red, el clásico debut de Life of Agony en 1993, narra la vida de un joven que se desmorona durante el transcurso de una semana horrible, y el abridor del álbum, “This Time”, establece una parte clave de la historia de fondo, detallando la frustración del protagonista con su padre poco confiable. La canción muestra la mezcla singular que convirtió al cuarteto de Nueva York en uno de los actos pesados ​​más frescos de principios de los noventa, estableciendo riffs corpulentos de estilo hardcore contra el estilo vocal emotivo y melodioso de Mina Caputo. “Tienes tiempo, pero no tienes tiempo para mí”, se lamenta amargamente durante la parte central de la canción, llevando la angustia intergeneracional del álbum, que el bajista y letrista Alan Robert describió una vez como “básicamente mi diario”, a un nivel desgarrador aún. Clímax temprano catártico. —SA

At the Gates surgió en Gotemburgo, Suecia, resumiendo la revolución del death metal melódico de la ciudad portuaria con su obra maestra de 1995, Slaughter of the Soul. El grito atormentado del líder Tomas Lindberg nunca fue tan fuerte como en la canción principal. "Había algo mucho más duro en lo que escribí en comparación con antes", dijo Lindberg a Revolver. “Toda mención de dragones y vikingos desapareció. Me concentré en la vida real y las cuestiones sociales. Era más realista y menos mítico”. Menos de un año después, At the Gates sorprendió a todos al separarse en su apogeo artístico. Pero su influencia sigue siendo enorme: se puede escuchar “Slaughter of the Soul”” en el rugido de bandas de metalcore estadounidenses desde Lamb of God hasta As I Lay Dying. —RS

El motivo central de “21st Century Schizoid Man”, el tema que abre el clásico debut de King Crimson en 1969, In ​​the Court of the Crimson King, es un fuerte candidato al título de mejor riff de proto-metal. Es una figura sombría y fanfarrona, realzada por la habilidad del guitarrista Robert Fripp y el baterista Michael Giles, que inspiró a Pete Townshend a llamarlo, en un anuncio de un sello contemporáneo, "el riff más pesado que ha tenido una frecuencia media en ese disco de vinilo negro desde El octavo de Mahler”. Las letras antibélicas poéticas pero inquietantemente gráficas de Peter Sinfield (que contienen líneas como “Blood rack, barbed wire/Politicians' funer pyre/Innocents violad with napalm fire”) y un efecto saturado en la voz de Greg Lake realzan el tono prohibitivo de la canción, haciendo que incluso el Las excursiones instrumentales inspiradas en la música clásica y el jazz en la sección media de la canción se sienten como expresiones de puro terror apocalíptico. —SA

Entre grabar como un rapero gangsta pionero e interpretar a un policía en la televisión, Ice-T fue brevemente el artista de metal más controvertido del mundo, gracias al ampliamente prohibido "Cop Killer" de Body Count. Pero en cierto modo, “There Goes the Neighborhood” (del mismo álbum) fue un desafío más descarado porque era una canción de metal, interpretada por músicos negros, que desafiaba vocalmente las actitudes racistas entre los fanáticos del metal. “¿No saben que el rock es sólo para blancos?” Ice-T canta burlonamente, antes de que el resto de Body Count muestre su dominio de los estilos de metal, desde riffs lentos al estilo Sabbath hasta thrash a toda velocidad y shred al estilo Van Halen. A veces, jugar bien es la mejor venganza. —JDC

“Era nuestra canción más normal”, dijo Rob Zombie sobre el plato principal de White Zombie. "Una canción que una persona normal podría disfrutar". Incluso en 1992, lleno de grunge, “Thunder Kiss” fue un éxito asombroso, su ritmo descaradamente simple cubierto con el chillido plañidero que traicionaba las raíces de la escena ruidosa de Nueva York de la banda. Por encima de las sirenas de la policía y muestras de películas de serie B, Zombie gruñe y tartamudea su mito de creación, un paria de la escuela de arte (nacido en el 65, claro) que se divierte con las Harleys, el horror y el satanismo lujurioso. “Demon-warp está cobrando vida”, tose en el coro, anunciando proféticamente su llegada como uno de los últimos tipos del metal en convertirse en un pilar de la cultura pop. —GHC

Una descripción sobria de los horrores de la guerra que, sin embargo, se siente como un llamado triunfante a las armas, “World Eater” de Bolt Thrower es impulsado por el característico galope de la banda, sus riffs carnosos y el gruñido subterráneo de Karl Willetts. Un solo chirriante a mitad de la canción y ritmos explosivos despiadados solo aumentan el caos. Es un ejemplo principal de la actitud heroicamente intransigente de la banda británica de death metal. “El orgullo es lo más importante”, dijo el guitarrista Gavin Ward en una entrevista en 2002. “Sabíamos desde el principio que Bolt Thrower nunca sería una gran banda, porque nunca tendríamos voces comerciales. Nunca jugaríamos el juego. Nunca nos inclinaríamos”. —KK

Cuando Kittie irrumpió en la escena del metal en 2000, las jóvenes canadienses (todas ellas tenían entre 15 y 18 años en ese momento) fueron inmediatamente colocadas en un pedestal puntiagudo debido a su condición de "banda de chicas", una etiqueta que despreciaban. . Su álbum debut, Spit, fue una mezcla entrañablemente tosca de thrash, grunge, death metal, rock alternativo y pura rabia adolescente. Su canción principal es un himno protofeminista mortalmente pesado que apunta a los misóginos y asestará un tiro mortal en menos de tres minutos. Más que nadie en ese momento, Kittie comprendió el poder que ejercían. "Hay algo mágico en Spit en general", reflexionó Lander en 2021. "Puedes sentir nuestra juventud, nuestra ira, todas estas emociones que hicieron de Kittie lo que éramos en aquel entonces". —KK

A Twisted Sister le tomó una década de tocar en la ciudad de Nueva York en los años setenta para llegar a “We're Not Gonna Take It”, que presenta la introducción de batería más pegadiza desde “Rock and Roll” de Led Zeppelin y una de las más fenomenales del metal. manos. "Soy de la escuela Alice Cooper de 'School's Out', 'I'm Eighteen'", dijo Snider a NPR. “Y Alice era muy grande con estos himnos. Así que quería escribir un himno para que el público levantara los puños en el aire con justa ira”. Snider y compañía transmitieron su mensaje en un video musical inolvidable que rápidamente se convirtió en un pilar de MTV gracias a su sentido del humor y la apariencia de los New York Dolls con esteroides de la banda. Snider pronto comenzó a presentar el predecesor de Headbangers Ball de MTV, Heavy Metal Mania, pero la burbuja estalló después de que testificó en las audiencias del PMRC, suavizando su imagen pública, a pesar de que enfrentarse a Tipper Gore fue el acto supremo de cuestionar la autoridad. —AB

“My Own Summer (Shove It)” sirvió como sencillo principal del segundo álbum de Deftones, Around the Fur, y no solo se convertiría en el gran éxito de la banda, sino que también definiría el sonido del nu metal en las próximas décadas. Es una clase magistral sobre cómo generar tensión, con una guitarra pulsante debajo de la interpretación tranquila y ruidosa del vocalista Chino Moreno. Y en un momento de cruda ira en el género, Deftones lideró el grupo con letras inteligentes y complejas (“La sombra es una herramienta, un dispositivo, un salvador/Mira, intento mirar hacia el cielo/Pero mis ojos arden ( cloud)”) que hizo que canciones como esta fueran tan dinámicas y reveladoras como profundamente atractivas para tocar a todo volumen. —BS

Las bandas de metal no son conocidas por admitir vulnerabilidad, pero a principios de los años ochenta, los miembros de Accept de Alemania Occidental fueron lo suficientemente inteligentes como para reconocer sus limitaciones, por lo que le pidieron a su manager, Gaby Hauke, que hablaba inglés mejor que sus clientes, que escribiera letras para a ellos. Terminó escribiendo impactantes visiones de masculinidad tóxica (sexo, violencia, distopía) para su álbum Balls to the Wall, y la canción principal es un himno de la época de la Guerra Fría. Las guitarras solistas gemelas son muy nítidas; Udo Dirkschneider, vestido de camuflaje, lidera la carga con su voz ronca y sus dientes rechinando espeluznantemente; la producción evoca cuero, cromo y acero; y las letras de Hauke ​​están plagadas de imágenes provocativas de tortura, sodomía, montones de cadáveres y revueltas. Gracias a un video memorable y algunos de los mejores riffs de este lado de AC/DC, la canción se convirtió instantáneamente en un clásico. —AB

Converge irrumpió en territorio tabú en “Concubine”, haciendo ruido metalcore brutalista a partir de los restos de una relación disfuncional. La canción dura sólo 80 segundos, pero eso es todo lo que Converge necesita para hacer de “Concubine” un modelo para la furiosa catarsis emocional de su clásico de 2001 Jane Doe. La banda comenzó en la escena hardcore punk de Massachusetts, pero evolucionó hacia un núcleo matemático metálico, con Jacob Bannon gritando su angustia poética que le hace freír las amígdalas por los polirritmos fuera de lugar. Curiosamente, cuando Converge lo grabó, estaban en el mismo estudio que cierta leyenda del soft rock de los setenta. "James Taylor estaba al otro lado del pasillo", dijo el bajista Nate Newton a Decibel. “Y siguió enviando a su ingeniero para decirnos que nos calláramos. 'Señor. Taylor está intentando grabar pistas vocales y ustedes están bromeando y haciendo demasiado ruido aquí. Pero “Concubine” todavía trae fuego y lluvia. —RS

Abriéndose con un remolino de retroalimentación sobre bajos retumbantes y timbales retumbantes, “Jesus Christ Pose” es ante todo un asalto sónico, Soundgarden en su forma más brutalmente intensa. Pero tenía las palabras “Jesucristo” en el título, por lo que, por supuesto, algunas personas estaban ansiosas por sentirse ofendidas. Aunque el cantante Chris Cornell explicó a Spin que la canción era en realidad una crítica a las celebridades que afirmaban ser victimizadas: "Es más o menos una canción que no es religiosa pero que expresa su irritación al ver eso", su video musical lleno de crucifijos fue retirado de todos modos por MTV. Pero no necesitas imágenes cuando tienes sonidos tan expresivos como la guitarra punzante de Kim Thayil detrás de los gritos de Cornell de “¡Saved! ¡Salvado! ¡Salvado!" —JDC

Bathory fueron pioneros de la escena del black metal sueco, y “A Fine Day to Die” de Blood Fire Death de 1988 brilla oscuramente como su mejor momento. La sed de sangre de baja fidelidad y los solos estremecedores que definieron el sonido inicial de la banda están al frente y al centro y, sin embargo, ya puedes escucharlos superando el estilo que acaban de inventar para crear el grandilocuente sonido vinculado a Valhalla conocido como Viking metal. Es una bestia híbrida que reúne lo mejor de Bathory en una epopeya de ocho minutos que logra trascender un género que apenas acaba de definir. —KK

Las poderosas baladas al estilo de Bon Jovi “18 and Life” y “I Remember You” catapultaron a Skid Row al éxito general en 1989, pero “Youth Gone Wild” ya se había ganado a gran parte del público del metal. Aunque escrito por los líderes de la banda, el guitarrista Dave “Snake” Sabo y la bajista Rachel Bolan, fue el carismático y ruidoso vocalista de Skid Row, Sebastian Bach, quien convirtió “Wild” en un himno a la rebelión. Cantó coplas como “Nunca seguí las reglas, nunca me importó/Mi mala reputación me lleva a todas partes” con tanta ferocidad, mientras se pavoneaba y gruñía, que se convirtió en una actuación que le convirtió en estrella. "Cuando me uní a la banda, me hice el tatuaje de 'Youth Gone Wild' en mi brazo antes de que tuviéramos un contrato discográfico, antes de que tuviéramos un manager", dijo Bach a Guitar International. “Creí en esa canción con todo mi corazón antes que nadie”. —AB

El obituario entregó el máximo death metal en su verdadera gloria. En su segundo álbum, Cause of Death de 1990, los floridanos crecidos en pantanos refinaron su sonido (un poco) desde sus primeras salpicaduras, pero mantuvieron los ritmos rezumantes, la arrogancia sureña, la velocidad esporádica y los riffs contundentes. El vocalista Donald Tardy ha dicho: "Fue el álbum que realmente hizo que los niños se dieran cuenta de lo que significan las dos palabras cuando dicen 'death metal'", y su joya de la corona, el sangriento himno "Chopped in Half", es el ideal platónico de Death metal de los noventa: una oda increíblemente pesada, con bajos e infestada de thrash para literalmente cortar a un hombre por la mitad. ¡Sangrar! —KK

Estridente y bailable, el sencillo de Rammstein de 1997 fue un improbable avance global en la era del nu metal. Esto llevaría a que millones de adolescentes aprendieran al menos una frase en alemán, si es que ya no hablaban ze Deutsch. El jam industrial tiene un toque rave gótico, con su ritmo contundente y un par de rupturas techno en la mitad posterior. El guitarrista Richard Kruspe señalaría que la canción trata sobre la lealtad, específicamente el tipo de compromiso matrimonial que la banda hizo entre sí. Es tan pegadizo como difícil, con un impactante atractivo masivo que llevaría a una superestrella del pop como Lizzo a cubrirlo alegremente este año. —BS

“You Suffer” de Napalm Death redujo el grindcore a su identificación primordial y desenfrenada. La canción proviene del debut de la banda británica en 1987, Scum, y su tiempo de ejecución de 1.316 segundos, que estableció un récord Guinness, comenzó como una broma, pero se convirtió en una destilación perfecta de la mezcla nihilista de la furia burlona del hardcore punk y la velocidad maníaca del thrash que animan los mejores momentos del grind, mientras sus letras de cuatro palabras son un himno a la desgarradora inutilidad de la existencia. Como comentó Mikael Åkerfeldt de Opeth, que no es ajeno a las florituras líricas, después de que su banda interpretara la melodía durante una aparición en un festival de 2017: “Es tan acertado: 'Sufres/Pero ¿por qué?' No necesitas ser Bob Dylan”. —KK

Mastodon ya había decidido que querían hacer un álbum conceptual sobre el agua, en contraste con su LP debut, Remission, que se centraba en el fuego, cuando el baterista Brann Dailor tomó una copia de Moby-Dick de Herman Melville en el camino para conocer al resto del grupo. banda para una serie de conciertos en Europa. Rápidamente escribió la mayor parte de la canción basada en la búsqueda de venganza acuática del Capitán Ahab, incluso tomando prestadas varias líneas de locura marinera directamente del libro; El riff central y el puente, dice, se basan parcialmente en la música pop egipcia de los años noventa. “Solo llevaba unas pocas páginas cuando [los personajes] comienzan a referirse a la ballena como 'el mastodonte de sal marina'”, dice Dailor, interpretando la mención como una señal. "Cuando llegué al Reino Unido, ya tenía mi discurso de ascensor preparado para los muchachos". Terminarían con un golpe decisivo y contundente. —DF

Aunque “Flying Whales” de Gojira contiene muestras de ballenas gimiendo dentro y alrededor de los cambiantes riffs de Joe Duplantier, el cantante y guitarrista afirma que nunca había visto a uno de los grandes mamíferos antes de escribir la canción. Sin embargo, este punto culminante del exitoso LP de la banda, From Mars to Sirius, se convirtió en uno de los grandes himnos ambientalistas del metal. Como sacado de algún manifiesto climatológico-futurista, “Flying Whales” encuentra a Duplantier imaginando a nuestros animales más grandes después de haber huido a la relativa seguridad del espacio, “asomando en la oscuridad”. La vertiginosa dinámica y las maniobras rítmicas de la canción resaltan lo que está en juego en la supervivencia. “Puede parecer paradójico tener un mensaje de esperanza”, dijo más tarde Duplantier, “y tocar esta música violenta”. Pero las bandas crearon un camino a partir de la más absoluta desesperación. —GHC

“Nací en el cementerio bajo el signo de la luna”, canta King Diamond en la parte superior de “Evil”, la salva inicial del primer LP de Mercyful Fate, Melissa. Con esa letra, los gritos de King que rompen cristales y los riffs asertivos de la banda, la melodía estuvo a la altura de todos los rumores que rodeaban a la banda: el soporte del micrófono de King era una cruz de fémures humanos, le cantaba a una calavera llamada Melissa, y lo más aterrador de En definitiva, sus letras ricamente satánicas fueron pronunciadas con solemnidad litúrgica. “Evil” demostró que Mercyful Fate era una banda que podía componer con tanta habilidad como impactante, mostrando ritmo, melodías ornamentadas y dinámicas magistralmente sincronizadas que complementaban la aterradora historia de necrofilia de King. “Nos tomamos en serio lo que estábamos haciendo”, dijo una vez King Diamond al autor Martin Popoff. “Nunca ha sido sólo una imagen. Tocar y escribir música era sólo a la luz de las velas. … En el estudio tenía dos velas para poder ver la letra”. —AB

Con su golpe premonitorio y sus acordes dramáticos, el primer tema del debut homónimo de Van Halen en 1978 se inclina considerablemente más oscuro que el hard rock de buenos tiempos por el que serían más conocidos. Eddie Van Halen mantiene el heroísmo de la guitarra solista al mínimo, como si estuviera guardando munición para una batalla mayor aún por venir, mientras que las letras sombrías que David Lee Roth ofrece sobre la dinámica experta de tensión y liberación de sus compañeros de banda abrazan un estilo callejero. visión del mundo en desacuerdo con su personaje de Louis-Prima-en-culo-chaps. Y cuando comienza el poderoso coro de la canción, su mensaje de solidaridad satánica suena lo suficientemente serio como para asustar a los feligreses piadosos que salen de sus bancos. -DELAWARE

Escrito originalmente para la banda Sexart de Jonathan Davis, “Blind” no sólo presentaría al mundo a Korn sino que también ayudaría a marcar el comienzo del reinado del nu metal. El sencillo principal del álbum debut de la banda está lleno de giros y vueltas: cada elección musical y vocal se siente como un shock. La tensa voz de Davis oscila violentamente entre la tensión y los gritos salvajes. Debajo de su voz hay un sonido que es a la vez maravilloso y pesado, pero informado por el grunge y el rap que dominaban la música en ese momento. Sin "¿Estás listo?" En la música nunca se ha planteado con más necesidad e intensidad. —BS

Quiet Riot pasó casi una década tocando en clubes de Hollywood cuando lanzaron su tercer álbum en el momento y el lugar correcto, Metal Heath, en 1983, asegurando su legado. Si la versión del álbum Top Five de “Cum on Feel the Noize” de Slade fue el cebo, el himno del título fue la trampa, asegurando el lugar de la banda en los corazones de los headbangers e impulsando al álbum a convertirse en el primer LP de metal en alcanzar el número uno. en el Billboard 200. “Me sentí como un corredor que está subiendo una montaña y está tan ocupado resoplando y resoplando que no levantas la cabeza para mirar el hermoso paisaje al que llegas”, dijo el bajista Rudy Sarzo a Rolling Stone. "No fue sólo una subida larga y constante, sino larga y dura". Con un riff monstruoso del guitarrista Carlos Cavazo, la batería de Frankie Banali y una actuación delirantemente grandilocuente del adorable charlatán Kevin DuBrow, “Metal Health (Bang Your Head)” todavía es suficiente para volverte loco. —AB

“Over My Head” es una canción sobre otras dos canciones. Como deja claro la letra, está inspirada en parte en los recuerdos del bajista dUg Pinnick de su abuela cantando la canción gospel “Over My Head” mientras rezaba. (Curiosamente, “Disco Inferno” de Trammps también hace referencia a eso espiritual). Pero como le dijo a Greg Prato, Pinnick también estaba pensando en “Let Love Rule” de Lenny Kravitz al escribir la canción, particularmente en la forma en que Kravitz retrocede cuando llega a el coro. “Esa fue la primera vez que escuché un coro anticlimático, pero funciona”. Como ocurre aquí, donde King's X apuesta por el ritmo en lugar de optar por un estribillo de himno con resultados deliciosamente etéreos. —JDC

A pesar de la naturaleza oscura de sus composiciones doom, a los reyes del metal deprimido de Brooklyn, Type O Negative, y a su imponente vocalista, Pete Steele, les encantaban los buenos chistes. Su primer sencillo importante, “Black No. 1 (Little Miss Scare-All)” de 1993, es un ejemplo clásico: narrado por Steele con su rico y aterciopelado ronroneo de barítono, presenta todos los tropos góticos más tontos con estudiada seriedad. desde Nosferatu hasta Lily Munster, con una grandiosa banda sonora de clavicémbalo, bajo vibrante y alegres riffs de rock. “El tipo O Negativo lo llevó al enésimo grado. Había que tomarlo todo con una pizca de sal”, recordó Greg Mackintosh de Paradise Lost, compañeros de gira de Type O. “Black No. 1 (Little Miss Scare All)”, que comenzó como un tributo irónico a una exnovia, terminó como un momento icónico del metal gótico estadounidense. —KK

A menudo acreditada como la primera banda de heavy metal de Estados Unidos (y posiblemente la del mundo), Blue Cheer, el favorito de los motociclistas del Área de la Bahía, venció a Black Sabbath en las listas por dos años con esta versión contundente y brutalmente distorsionada del himno de alienación adolescente de Eddie Cochran, haciendo estallar un tímpano. rastro de innumerables bandas de fumetas, doom y otras bandas revolucionarias en el proceso. “Blue Cheer causó una impresión duradera en este otrora joven baterista”, dijo el fallecido Neil Peart a Rolling Stone en 2009, “y definitivamente jugó su papel en dar forma a los inicios de Rush: un trío potente y ruidoso con una fortaleza de amplificadores, cañonazos de batería, y la voz aguda de un bajista tratando de atravesar la oscuridad”. -DELAWARE

Esta banda de San José, California, puede ser mejor conocida por crear Dopesmoker, un álbum conceptual que constaba de una sola canción de 63 minutos. Pero es el glorioso y más pesimista tema de apertura de Sleep's Holy Mountain de 1993 el que tiene la distinción de presentar la cepa más pura de su sonido impulsado por marihuana. Comenzando con el riff de guitarra directo de “Into the Void” de Matt Pike, este himno a los guerreros cósmicos que “montan el dragón hacia el ojo carmesí/baten sus alas bajo el cielo rojo de Marte” es una carga de sludge metal y Tropos de ciencia ficción y fantasía: imagina a un personaje de una pintura de Frank Frazetta que cobra vida y toma una Gibson Les Paul afinada entre golpes monstruosos. “Había una evidente adoración por Black Sabbath”, admite Pike, con respecto al modelo sonoro de la canción. "Pero también escuchábamos un montón de doblaje... y fumamos cantidades infinitas de marihuana". —DF

Este punto culminante del exitoso álbum de Arch Enemy de 2003, Anthems of Rebellion, es un artefacto emocionante del auge del death metal melódico de principios de los años. La batería de Daniel Erlandsson, las guitarras de capas gruesas de Michael y Christopher Amott y (especialmente) la voz venenosa de Angela Gossow se combinan para ofrecer partes iguales de elevación y amenaza, alentando al oyente a empoderarse y joder seriamente al mismo tiempo. Sobre el papel, una frase como “En este mar de mediocridad/Puedo ser cualquier cosa/Cualquier cosa que quiera ser” podría leerse como un insulso tópico de autoafirmación, pero lanzado desde la laringe abrasada por el infierno de Gossow, suena como una maldita amenaza. -DELAWARE

"Estoy en esta banda por todo lo que odio del mundo", dijo el baterista de Slipknot, Joey Jordison, a Rolling Stone en 2000. Verdaderos hijos del maíz, los nueve mutantes de Slipknot surgieron de Iowa a finales de los noventa con sus aterradoras máscaras y sus desgarradores shows en vivo, e hicieron de su deslumbrante extremismo la atracción más explosiva del Ozzfest. Resumieron su visión del mundo de odio a todo con furia sucinta en la vorágine de nu-metal “People = Shit”, una declaración innegable de misantropía tribal y autodeterminación marginada. —JD

“Freezing Moon”, uno de los himnos que definen el black metal, pasó por serios problemas antes de su lanzamiento oficial en 1994. El líder de la banda, Dead, un sueco que se unió a los innovadores noruegos del black metal Mayhem en 1988, escribió sus letras desde la perspectiva de un fantasma vengativo, pero se suicidó en 1991 antes de que la banda pudiera grabarlo en el estudio. Así que Euronymous reclutó a uno de los cantantes favoritos de Dead, el black-metal húngaro OG Attila Csihar de Tormentor, para intentarlo. El resultado, con su riff fúnebre, su poesía criosférica y sus tambores oscilantes, fue un monumento al grindcore que los grupos de black metal han aspirado a copiar desde entonces. Lo mejor de todo: el solo gratuito de Euronymous es un paroxismo maravilloso sobre los ritmos oscilantes del baterista Hellhammer, una celebración nada sentimental del sufrimiento que Mayhem ya había sufrido y continuaría soportando. —GHC

A mediados de los años ochenta, el thrash ya era ligeramente subversivo, pero en Brasil (que acababa de salir de 21 años de dictadura militar) las bandas de thrash como Sepultura eran francamente subversivas. Sepultura, sin embargo, no sólo prosperó en su entorno sino que logró sugerir un sentimiento de orgullo nacional al reforzar su estilo de guitarra thrash con un ritmo de percusión derivado de la música tradicional brasileña. Aún así, cuando el guitarrista Max Cavalera vio la frase “Refuse/Resist” en una chaqueta de cuero de Black Panther, inmediatamente le vino a la mente un sonido. "Me recordó a un motín", le dijo a Kerrang. “Coches ardiendo y al revés, mierda esparcida por todos lados, caos por todas partes. Cuando lo escucho y cierro los ojos, puedo ver un disturbio incluso ahora”. —JDC

Un milagro de 11 horas, “The Cry of Mankind” evolucionó a partir del guitarrista Calvin Robertshaw tocando con los dedos la misteriosa melodía de apertura de la canción (que se repite para siempre a lo largo de la canción de 12 minutos) y construyendo cada parte a medida que los sombríos de My Dying Bride las adivinaban. . Incluso después de que la parte de la “canción” de la epopeya del doom-metal se convirtiera en una atmósfera pesada, probaron cosas nuevas cuando el cantante Aaron Stainthorpe tocó la cuerda inferior de un violín de cinco cuerdas para evocar la triste bocina de un barco. El efecto es a la vez sombrío y romántico, mientras Stainthorpe, borracho de Byron, Keats y Shakespere, gime como un vampiro solitario ante los aplastantes riffs de sus compañeros de banda. “Pensé: 'En lugar de escribir sobre los temas típicos del heavy metal (el diablo, la sangre, las entrañas y el maltrato a las mujeres), ¿por qué no escribo sobre algo que haga reflexionar más?'”, le dijo a Decibel. "Estoy seguro de que algunas personas pensaron que mis letras eran una mierda y no muy heavy metal, pero... quería escribir sobre temas poderosamente emotivos". -KG

Después de la trágica muerte del guitarrista Randy Rhoads en 1982, era imperativo que Ozzy Osbourne encontrara un músico que pudiera ofrecer el mismo destello, y encontró el complemento perfecto en Jake E. Lee, como se escucha en la canción principal de su primer álbum juntos, Bark at the Moon. “El título de esta canción surgió de un chiste que solía contar donde estaba el chiste: 'Come mierda y ladra a la luna'”, recordó Osbourne en sus notas de The Ozzman Cometh. "Fue la primera canción que [Jake y yo] escribimos juntos". Construido alrededor de un riff distintivo y entrecortado que combina músculo y melodía con una destreza impactante, “Bark at the Moon” interpretó brillantemente el apodo de “Príncipe de las Tinieblas” de Osbourne con letras que se leen como una película de Hammer Horror, y su video musical con temática de hombre lobo ganó. sobre una nueva generación de metaleros. —AB

“Caffeine” es la canción más pesada y espeluznante de Angel Dust, el magistral álbum de Faith No More de 1992 sobre, como dijo el baterista Mike Bordin, “los bellos y los enfermos”. Musicalmente, despliega una versión metálica del viejo truco Holland-Dozier-Holland de combinar un sonido alegre con un mensaje triste. La “cafeína” es un poco más depravada que Motown. “Derrama vergüenza sobre nosotros/endurece hasta convertirnos en una costra”, grita Mike Patton. A medida que la canción avanza con la pulverizadora guitarra de blues-rock de Jim Martin y los sintetizadores teatrales de Roddy Bottum, Patton se convierte en una espiral al estilo Hamlet hacia la locura. Supuestamente escribió la canción en medio de un ejercicio de privación de sueño que, en una especie de método de actuación, le permitió encarnar el objeto de su desprecio: la sociedad en piloto automático. “Las cafeterías y los restaurantes de basura eran excelentes fuentes de inspiración”, dijo Patton a Circus en 1992. —SG

Def Leppard salió de la NWOBHM, pero no permaneció en ese mundo por mucho tiempo. Tan físicamente presentables como cualquier banda New Wave, con ganchos tan grandes como sus riffs, montados en el deslizamiento de teflón de la producción de Mutt Lange en su avance de 1983, Pyromania, estos payasos del rock & roll se convirtieron en la banda de pop-metal por excelencia de los ochenta, ampliando el alcance de la música. a personas que no se habrían acercado ni a un kilómetro y medio de una canción de Motörhead. “Photograph” fue su gran avance en Estados Unidos, que hizo relamerse los labios, con su pavoneado cencerro, el encantador giro de Joe Elliott en el grito estándar del metalero y una bonita y melancólica melodía en el estribillo. Nadie ha logrado asimilar mejor la fórmula del perro peludo. —JD

Cuando Tool estaba empezando a montar su segundo larga duración, Ænima, el cantante Maynard James Keenan estaba buscando formas de cambiar su forma de escribir catártica y de grito primario. Eso implicó que hiciera “mucha investigación esotérica, leyendo muchos libros de matemáticas y psicología”. El resultado fue una canción destacada que toca la idea junguiana del yo sombra y el concepto del filósofo de la Nueva Era Drunvalo Melchizedek de una mutación genética que señalaría una humanidad más “unificada”. ¿Qué mejor manera de evolucionar que con una canción sobre una evolución literal? “'Forty Six & 2” también presenta una síncopa espectacular y una de sus líneas de bajo más rítmicas, cortesía de la sangre fresca de la banda: el nuevo bajista Justin Chancellor. "Escribió la mayoría de los riffs de 'Forty Six & 2'", dice el baterista Danny Carey, "y si vuelves a escuchar las tomas, te darás cuenta de que hay mucha energía espontánea allí". —DF

“Deliverance”, una extensa epopeya de 13 minutos, resume claramente los diversos impulsos musicales que encuentran un hogar en el sonido de este cuarteto sueco. Primero, está la estructura de varias partes, similar a una suite, en la que la banda cambia de humor, texturas y métricas aproximadamente cada minuto; luego está el contraste entre los impulsos progresivos de la banda y su lado death metal, claramente reflejado por las voces de Jekyll y Hyde de Mikael Åkerfeldt: por un lado, un dulce tenor de Greg Lake, por el otro, un gruñón Cookie Monster. Impulsada por el ataque de doble patada del baterista Martín López, la banda suena como un monstruo, pero no se dejen engañar. Como admitió Åkerfeldt, “las bandas de rock inglesas probablemente podrían derrotarnos en cualquier momento”. —JDC

"Soy básicamente una persona débil", dijo una vez Justin K. Broadrick de Godflesh, "en general, bastante nervioso y muy, muy débil". La banda de metal industrial de Birmingham, Inglaterra, capturó perfectamente esa agitación interna y ofreció un modelo para el potencial impresionista del metal en “Slateman”. La caja de ritmos de la pista es como un animal mecánico que no muestra piedad, y las guitarras salvajes, con una sensación extrañamente asfixiada, son igual de crueles. Pero es la voz lejana de Broadrick, enterrada en la marga, desdibujada por el viento, la que llama más la atención, pareciendo cada vez más herida a medida que avanza la canción. “Slateman” es la rara canción de metal que te supera por su vulnerabilidad, más que por su poder. —GHC

Colaboradores: Adrien Begrand, JD Considine, Grayson Haver Currin, Jon Dolan, Dan Epstein, David Fear, Sarah Grant, Andy Greene, Kory Grow, Kim Kelly, Rob Sheffield, Hank Shteamer, Brittany Spanos